El otro día estaba revisando algunos de  los posts publicados en blog cuando caí en la cuenta de que ninguna de las entradas sobre Juegos con Historia versaba sobre un RPG. Esto se debe en gran medida a que JMVT, el autor de las anteriores 4 entregas, tiene tanto interés por el género rolero como Florentino Pérez por la cantera madridista. Y había que hacer algo para remediarlo.

Fue entonces cuando recordé mi reciente periplo con Chrono Trigger en Nintendo DS, y mi bastante más lejano periplo en un emulador de PSX con Chrono Cross. Recordé lo mucho que disfrute con ambos, tanto a nivel de historia, como de sistema de combate, como de personajes, como de escenarios… Son dos joyas relativamente poco conocidas en occidente. Para los que aún no los conozcais, espero convenceros en las siguientes líneas de que hay que probarlos.

Tan solo con observar el grupo de profesionales que se habían reunido para dar luz a una franquicia totalmente nueva, ya se podía intuir que Chrono Trigger iba a ser un gran juego. El por entonces denominado Dream Team estaba conformado entre otros por Sakaguchi (director de iconos como Final Fantasy o Parasite Eve), Uematsu (compositor más ilustre de bandas sonoras de videojuegos), Horii (creador de la saga Dragon Quest) o Toriyama (famoso creador del manga Dragon Ball). El hype creado en la época fue bastante considerable, y como ya intuiréis a estas alturas, el resultado no decepcionó.

La historia comienza cuando, en la fiesta del 1000 aniversario de la creación del reino de Guardia, Crono tropieza accidentalmente con Marle, y deciden visitar la feria juntos. En ella Lucca, la amiga de Crono, muestra su último invento, pero cuando Marle lo prueba algo sale mal, y se abre una puerta temporal que la transportará 400 años antes. A partir de ahí, todo es una vorágine de viajes en el tiempo donde al grupo de Crono se les unirán un hombre transformado en rana de la edad Media, un robot del futuro y guerrera de la prehistoria. Todo ello mientras intentan evitar un cataclismo provocado por una entidad venida del espacio que se alimenta de la vida del planeta.

Una de las grandes virtudes de esta historia radica en la posibilidad de viajar en el tiempo, y notar como las acciones que vas haciendo en las diferentes eras tienen repercusiones en las eras posteriores. La variedad de escenarios que esta situación nos permite visitar también es asombrosa, destacando por encima de las demás el reino de Zeal, un conjunto de ciudades erigidas en el cielo mediante magia en un momento de glaciación del planeta.

El sistema de combates no era nada innovador (de eso se encargaría su sucesor), un clásico sistema de aprendizaje de técnicas por experiencia que usan puntos de magia. Los puntos fuertes del juego residen en la cantidad de tareas secundarias que se pueden realizar, que sirven no solo para conseguir mejores objetos, si no también para profundizar en la historia y personalidad de los personajes. Siendo sólamente 7, se puede profundizar mucho con la creación de subtramas únicas para ellos, y al final se les acaba cogiendo cariño.

También destacaba la posibilidad de encontrar diferentes finales, dependiendo de ciertas tareas completadas o no durante el transcurso de la aventura, y dependiendo también de en qué momento del tiempo decidas enfrentarte a Lavos. Ciertamente hay que armarse de paciencia para conseguir desbloquear los más de 12 finales que tiene el juego. Demos gracias a Youtube por ahorrarnos parte del trabajo.

Tras haber cosechado muy buenas ventas tanto en Japón como en EEUU, la secuela de Chrono Trigger estaba en el punto de mira de fans y crítica. Chrono Cross vio la luz en 1999 en PSX, con la difícil papeleta de competir con juegos del mismo género como Final Fantasy VII y VIII o Xenogears. Pero una vez más llegaron y asombraron a todo el mundo.

Si la base fundamental de Chrono Trigger eran los viajes en el tiempo, Chrono Cross trata más bien sobre universos paralelos (ya sabemos de donde sacaron los guionistas de Lost la inspiración). Si bien en la anterior entrega el planteamiento era simple y efectivo, en Chrono Cross los hechos se desarrollan de forma mucho más compleja. Vamos a hacer un breve resumen.

Serge es un niño que esta a punto de morir, y es llevado por su padre y un amigo a un supercomputador con control sobre varias realidades relacionadas en el espacio-tiempo, pero que es reseteado por error en el proceso, lo que provoca graves estragos. Serge se verá atrapado en un mundo que cree que no es el suyo, y desafiado en varias ocasiones por Lynx, su antítesis. En cierto momento del juego, surgirá un cambio entre las realidades que insertará a Serge en el cuerpo de Lynx. Esta y un montón de extrañas adversidades más no son casuales, sino que habían sido planeadas por el gurú del tiempo de Chrono Trigger para que Serge pudiera enfrentarse al Lavos de esta realidad.

La historia es alabada por unos y denostada por otros (a mí me encanta), siempre debido a su complejidad. La verdad es que es bastante fácil perderse en el desarrollo del juego, no sólo por la trama en sí, sino porque en este podremos controlar a un total de 45 personajes diferentes. A nivel jugable, sólo se diferencian entre sí por su elemento innato y por 3 habilidades que pueden aprender mediante experiencia, pero cada uno tiene su parte en el argumento, de mayor o menor relevancia. Recuerdo con cariño a Starky el extraterrestre, enviado al planeta para saber si merecía la pena mantenerlo a salvo o si por el contrario era mejor destruirlo. Además es adorable.

El punto realmente fuerte del juego es, a mi opinión, el sistema de batalla. Es bastante similar al sistema de materias que podemos encontrar en Final Fantasy, con la salvedad de que aquí funcionan por niveles y se llaman elementos. Existen elementos desde el nivel 1 al 7, y varias ranuras para insertar elementos en cada uno de los niveles. Lo interesante de este sistema es que en cada combate solo podrías usar un elemento un número determinado de veces, que se calculaba según su nivel y la ranura donde se inserta. Si insertas un elemento de nivel 3 en una ranura de nivel 3, lo podrás usar una vez, pero si lo insertas en una ranura de nivel 4 podrás usarlo dos veces.

Esto se combina con la extraña forma de administrar los turnos. En cada turno un personaje va acumulando puntos de resistencia, hasta un máximo de 7. Si tiene 5 puntos no podrá utilizar elementos de nivel 6 o superior. Además, cada elemento tiene una naturaleza, pudiendo cambiar el color del campo de batalla y así potenciar algunas habilidades y personajes. Sin duda, los combates están mucho más enfocados a la estrategia y la planificación que en su antecesor, lo que es sin duda un gran acierto.

En una de esas extrañas situaciones que solo ocurren en el mundo de los videojuegos, tras haber cosechado buenas ventas y alabanzas por parte de la crítica, Chrono Cross nunca llegó a editarse en Europa. Por eso para disfrutarlo es necesario un emulador (o traerlo de importación a una plataforma compatible con NTSC). Es por eso que aquí pocos hemos podido disfrutar de esta joya, y que muchos ni siquiera la conozcan.

Y sin más dilación doy por finalizada esta quinta entrega de juegos con historia, en la que he intentado no destripar demasiado la historia propiamente dicha, ya que merece mucho la pena descubrirla mientras se juega (sobre todo en el caso de Chrono Cross). Ya sea descargado o comprado, recomiendo ampliamente que los amantes del rol den una oportunidad a esta saga. Y los que ya la habeis disfrutado, un comentario por aquí sobre vuestras partes favoritas se agradecería . ¡Hasta la vista!

Las siete caras del doctor Lao (7 faces of Dr. Lao) es una película antigua y muy muy rara, pero me gusta. Y os voy a poner un fragmentillo:

El circo del dr. Lao llega a un pueblo en el que maravilla a sus habitantes con sus grandes y misteriosos espectáculos. El día de la partida del circo Mike, un niño del pueblo, dice, entre otras cosas, que quiere unirse al circo, que siempre quiso estar en uno. El Dr. Lao se niega, pues ya tienen un mago, aunque él sea mejor. Mike dice que lo entiende. La respuesta del doctor es la siguiente: (Azul para la V.O., negro para la traducción)

Dr. Lao: Mike, let me tell you something. The whole world is a circus if you know how to look at it. The way the sun goes down when you’re tired, comes up when you want to be on the move. That’s real magic. The way a leaf grows. The song of the birds. The way the desert looks at night, with the moon embracing it. Oh, my boy, that’s… that’s circus enough for anyone. Every time you watch a rainbow and feel wonder in your heart. Every time you pick up a handful of dust, and see not the dust, but a mystery, a marvel, there in your hand. Every time you stop and think, “I’m alive, and being alive is fantastic!” Every time such a thing happens, you’re part of the Circus of Dr. Lao. 
Mike: I don’t understand.

Dr. Lao: Neither do I.

Dr. Lao: Mike, dejame contarte algo. El mundo entero es un circo si sabes como mirarlo. La manera en la que el sol se pone cuando estás cansado, y sale cuando quieres ponerte en marcha. Ésa es la verdadera magia. La manera en la que una hoja crece. El canto de los pájaros. El aspecto que tiene el desierto de noche, con la luna abrazándolo. Oh, chico, eso… eso es suficiente circo para cualquiera. Cada vez que miras un arcoiris y sientes la maravilla en tu corazón. Cada vez que coges un puñado de tierra, y no ves la tierra, sino un misterio, una maravilla, ahí en tu mano. Cada vez que te detienes y piensas “¡Estoy vivo, y estar vivo es fantástico!” Cada vez que algo así ocurre, eres parte del Circo del Dr. Lao.

Mike: No lo entiendo.

Dr. Lao: Yo tampoco.

En pocas palabras, y como dijo otrora un sabio que nos dejó:

“La vida puede ser maravillosa”

Namaste y buena suerte

Fragmento en youtube

Ahora que voy a empezar mi carrera (que ya va siendo hora) me da por pensar.

“Filología”; Filología es una palabra que viene del latín, y se traduce por “amor por las palabras”. El significado, según la RAE, en la primera de sus acepciones, es: “Ciencia que estudia una cultura tal como se manifiesta en su lengua y en su literatura, principalmente a través de los textos escritos”.

Por otro lado, la mayoría de las ramas de la ciencia acaban en “…logía”, pero no con el significado de “palabra” sin con el de “estudio”. Ej: biología = estudio de la vida. Lo que me hace pensar en la libertad de traducción que se tomaron. Pero de ser así, con esas dos posibilidades, a la filología la hubiera llamado “logología”, pero la verdad es que suena bastante absurdo.

* Por cierto, acabo de mirar logología en google (Google lo sabe todo y lo ve todo) y hay alguien que ha hecho un blog llamado así. Explica que es la ciencia que estudia los logotipos, (suspiro) ¿Dónde vamos a ir a parar?

La palabra filosofía también debería ser cambiada por esta regla de tres. Se traduce por “amor a la sabiduría”. Y un filósofo puede serlo sin que esto le guste. De hecho Karl Marx consideraba a la filosofía algo negativo y prescindible. Era una de las alienaciones que distraían a las personas de la realidad con otras supuestas realidades alejadas del mundo material y evidente. Por eso debería llamarse Sofiología, que sería el estudio de la sabiduría.

Pero resulta que la palabra sofiología también existe. No aparece en el diccionario de la RAE, pero si en wikipedia. Y dice: “Desde un enfoque filosófico la sofiología comprende temas asociados al análisis de las relaciones entre los mundos visible e invisible, el rol de la naturaleza, como también la teleología.” Mira tú qué cosas.

Pero bueno, no es la primera vez que pienso algo así. Al significado de las palabras me refiero.

¿Sabéis que diferencia existe entre un astrónomo y un astrólogo? Las traducciones son:

Astrología: estudio de las estrellas.

Astronomía: ley de las estrellas.

Pero resulta que los astrólogos han estudiado lo mismo que Pozi. Porque son ese grupo de gentuza que se dedican a sacar provecho de la gente más crédula. Gente como Rapel, Aramís Fuster y compañía, es que no quiero ni hablar de ellos. Pero van de que saben lo que hay en el cielo y seguro que no saben ni lo que es un agujero negro.

Son los astrónomos las personas que, pese a no ser tan conocidas, hacen descubrimientos y hacen prosperar a la ciencia.

** Aramís Fuster ha realizado, en directo, un conjuro en el que invocaba a la diosa Shiva (no sé si a la de la India o a la del Final Fantasy) para sacar a España de la crisis. Lo cojonudo será que cuando esta crisis se acabe presumirá haber sido por ella. Otra cosa que recuerdo fue cuando había encontrado un conjuro que podía hacer crecer el tamaño de los pechos y el grosor de los penes (ni Gandalf hacía eso). A lo que le preguntaron que si podía hacer cualquier cosa por qué no hacía algo más útil, como por ejemplo, acabar con el hambre en el mundo. ¿Queréis saber su respuesta? “Que me lo pidan”. En fin, Serafín. Al final he terminado hablando de esta gente.

Puede que todo esto que he contado no tenga ningún sentido, y no sea sino un mescolato de datos de diccionarios, tonterías que me rondan por mi mente y desventuras de brujas. Pero nunca está de más cuestionar las ideas establecidas, aunque sea tan absurdo como el origen latino de las palabras. Por lo que la moraleja de hoy es: ¡Cuestionad el sistema! Pero si resulta que el sistema funciona bien, es que no lo has cuestionado como Dios manda.

PD la pluma de la imagen me parece preciosa

Namaste y buena suerte

Adjuntos os dejo el video en cuestión, por si no me creéis:

“Ever 17″ es lo que se suele llamar una “visual novel”. Las “visual novels” (o VN) no tienen forzosamente que ser bishoujos, ni mucho menos tener escenas eróticas. “Ever 17″, por ejemplo, a pesar de contar con una escena de sexo, no nos muestra nada, mas bien se limita a sugerir de manera muy somera mediante el texto en pantalla.

El concepto general de las VN es hacer sentir al espectador/jugador que es partícipe de una especie de novela más o menos interactiva (dependiendo de la VN que tengamos entre manos). En cierto sentido recuerdan a aquellas IF (Interactive Fiction) o aventuras conversacionales que empezaban a mostrar rudimentarios gráficos en pantalla para ilustrar la acción descrita en los textos, sólo que nuestro poder de decisión (si tenemos) se verá limitado a escoger entre dos o más opciones.

En las VN uno de los elementos inamovibles es la ingente cantidad de texto que tendremos que leer (en la mayoría de casos varias horas, o más…). Pero, obviamente, también hay diferencias. La más notable de ellas es la “jugabilidad”. Desde las VN donde no tenemos que tomar decisión alguna o, si hay decisiones que tomar, éstas apenas afectan al desarrollo de la trama, prefiriendo centrarse únicamente en contar una historia, hasta las VN que combinan una historia absorbente con toda la jugabilidad que se le puede pedir a un juego de este tipo.

“Ever 17″ pertenece a ese grupo. La mayoría de decisiones que tomemos, incluidas las que parecen más triviales, tendrán su importancia en el transcurso del juego. Y la historia… ¿qué decir de la historia?

A todo esto, mejor cuento ya la trama. “Ever 17″ es la historia de un grupo de jóvenes aislado en el interior de un inmenso parque temático submarino debido a un desafortunado accidente. Todas las vías de escape al exterior están cortadas y apenas disponen de poco más de cinco días para huir (o ser rescatados) antes que el complejo se venga abajo y se los lleve por delante. A partir de ahí, empezarán a surgir las preguntas. ¿Cómo salir de ahí? ¿Qué secreto ocultan los personajes? ¿El accidente fue premeditado? ¿Estamos ante una historia de ciencia ficción? ¿O mas bien de fantasmas?

A continuación, os presento a los personajes:

Takeshi Kuranari: Estudiante universitario que se ve separado de sus amigotes y se ve metido en la movida.

El chico (The Kid): Adolescente amnésico. No recuerda nada de su pasado, ni siquiera su nombre, ni tampoco lo que le ha traído hasta LeMU.

You Tanaka: Empleada en LeMU como azafata (o algo parecido). Su objetivo es conocer el paradero de su padre, que desapareció misteriosamente mientras trabajaba en LeMU cuando You apenas tenía un año.

Tsugumi Komachi: Joven misteriosa y difícil de tratar. No confía en los demás y se muestra fría y reservada.

Sora Akanegasaki: El sistema de Inteligencia Artificial principal de LeMU, que se aparece a los demás en forma (impalpable) de una chica de 24 años.

Sara Matsunaga: Antigua compañera de instituto de You. A pesar de su corta edad, es toda una experta en hackear sistemas.

Coco Yagami: Tiene 14 años, pero se comporta como si tuviera algunos menos. Tremendamente infantil, siempre va acompañada por su perro Pipi.

Tras una especie de preludio, en el que vamos alternando entre el punto de vista de Takeshi y el del chico, se nos obligará a tomar una de las decisiones clave del juego. La decisión que tomemos implicará que jugaremos exclusivamente como Takeshi o como el Chico durante el resto del juego.

Esta es Tsugumi, en todo su esplendor gótico/emo.

Nuestro objetivo es conseguir cinco finales satisfactorios distintos, uno por cada chica. Jugando como el Chico, podremos conseguir los finales correspondientes a You y a Sara, y, jugando como Takeshi, los correspondientes a Sora y a Tsugumi. Una vez hayamos conseguido finales satisfactorios (que no necesariamente buenos, mas no quiero spoilear mucho) para esas cuatro chicas, podremos jugar para obtener el final correspondiente a Coco.

Aquí tenéis a Coco. Sí, aunque parezca mentira, tiene 14 años y, aparentemente, compra su ropa en Naf Naf.

Eso es sólo el principio. A medida que juguéis irán surgiendo más preguntas, que se irán apilando una tras otra. Todas tendrán su respuesta definitiva en la impactante resolución al final del juego.

A Coco ya la conocéis. A su lado tenemos a You, que, aparentemente ha decidido ir a trabajar en camisón. Más a la derecha está The Kid (o El Chico).

Quizás el punto fuerte de “Ever 17″ sea ése. Como, en la mejor tradición de series como “Lost”, va acumulando poco a poco preguntas sin responder, mientras va dejando pistas muy sutiles sobre lo que realmente está pasando. Una vez consigas acabar por primera vez el juego con éxito, no te quedará más remedio que volver a jugar para descubrir más acerca de lo que realmente está pasando en LeMU.

Y es que “Ever 17″ se puede comparar a una serie de TV de cinco temporadas. Las cuatro primeras nos dan casi todas las perspectivas posibles, pero sólo en la última tendremos todas las respuestas que buscábamos (si es que no las habiáis obtenido antes, cosa que dudo…).

Ésta es Sara, en plena… ¡eh, un momento! ¡Creía que no había escenas de ese tipo en este juego! Ah, espera, no, no es lo que parece…

Para acabar, un consejo: tened en cuenta que la parte del juego centrada en Tsugumi es, de largo, la más difícil de todas. Será bastante complicado que consigáis el “buen final” de Tsugumi a la primera. Lo bueno es que, una vez lo hayáis conseguido, obtener el de Sora será pan comido. Lo malo es que, si las comparamos, la historia de Sora no tiene la fuerza de la de Tsugumi. Así pues, recomiendo dos formas de afrontar el juego.

Una de ellas sería dejar la historia de Tsugumi para el final. Esta opción es ideal para notar el crescendo argumental del juego.

La otra sería empezar con las rutas de Takeshi (con lo cual, la historia de Tsugumi sería, como mucho, la segunda), para seguir con las del Chico. Esta es la opción idónea si queréis ser más listos que los guionistas del juego y os véis capacitados de adivinar lo que pasa realmente en LeMU antes de empezar a jugar la historia de Coco.

En definitiva, si os gusta todo lo remotamente relacionado con lo japonés y su, en ocasiones, terriblemente frustrante afán por complicar incluso la más sencilla de las tramas, si os sentís atraídos por la ciencia ficción y conceptos como la cuarta dimensión, las paradojas temporales, la identidad, la memoria, el ser y demás filosofadas del copón, éste es un juego (o historia) que no os debéis perder.

Pinche aquí para ver el vídeo

“ALF” era un típico ejemplo de sitcom ochentera americana. Bienintencionada, de humor más bien blanco, con la ocasional moralina.

La serie contaba las peripecias de Gordon Shumway, un extraterrestre que, tras la aniquilación total de su planeta total, Melmac, llega al planeta Tierra. Perseguido por la A.T.F. (Alien Task Force), nuestro protagonista es acogido por los Tanner, una típica familia americana de clase media.

“ALF” era, básicamente, un capítulo al estilo de “ALF se comporta como un tonto y pone en peligro su propia seguridad”, seguido de otro tipo “ALF se hace el listillo y pone en aprietos a los Tanner”, y así sucesivamente… Sin olvidarnos de sus fallidos intentos de merendarse a Lucky, el gato de los Tanner.

No, no revolucionó los cimientos de la ficción televisiva, obviamente, pero sí dejó un final para la historia. De esos que dejan a “Lost” en pañales, vamos.

Habíamos mencionado que los Tanner acogen a ALF cuando éste estaba siendo perseguido por la A.T.F., ¿no? Exacto, ésa es la razón por la que los Tanner pasan tantos apuros, molestias (y alguna que otra situación embarazosa) para proteger a un extraterrestre listillo que apenas levanta un palmo del suelo. En el momento que la A.T.F. (y sus expertos en disección en vivo de extraterrestres) se entere de su existencia… adiós ALF.

Cuando “ALF” se emitió por primera vez aquí en España vi buena parte de sus episodios, aunque, obviamente, no todos. Fui testigo de la amistad entre ALF y el sobrino granuja de los Ochmonek (los vecinos de los Tanner), pero, entre otras cosas, me perdí el desenlace de la serie, aunque eso no supuso ningún trauma. Mi vida siguió adelante.

En mi caso la revelación llegó varios años después, cuando me topé con un episodio en algún canal de Vía Digital (no, no me acuerdo cuál). ALF había contactado con Skip y Rhoda, los otros dos melmacianos supervivientes, y, tras quedar con ellos para que pasen a recogerle, se preparaba para abandonar la Tierra. Sin duda felices de deshacerse del odioso enano extraterrestre, los Tanner le organizan una fiesta de despedida. Todo muy emotivo.

Al final del episodio, los Tanner dejan a ALF en el punto de encuentro, donde se despiden emotiva y lacrimógenamente. La nave de Skip y Rhoda se acerca… En ese momento, y por sorpresa, aparece la A.T.F. Skip y Rhoda huyen como alma que lleva el diablo, y dejan al pobre ALF en la estacada. Los Tanner observan impotentes, incapaces de hacer nada…

Obviamente pensé “Ah, debe ser un cliffhanger, un episodio en dos partes. Ésto no puede acabar así, de ninguna de las maneras”.

Así pues, al día siguiente a la misma hora me preparé para el desenlace definitivo… que nunca llegó. No more “ALF”.

No fue hasta tiempo después que descubrí la verdadera historia tras ese deprimente final. Como era evidente, ese final era un cliffhanger que debía resolverse en el siguiente episodio, pero la ABC dio el carpetazo a la serie en un momento tan inoportuno como ese.

Sí, debió ser algo traumático para los niños (tanto americanos como de otras partes del mundo) que seguían la serie. Pero, visto desde una perspectiva más adulta, resulta terriblemente divertido. Uno se pregunta: “Por qué no siguieron otras series, en particular las sitcoms, su ejemplo?”

Pinche aquí para ver el vídeo

En busca del valle encantado, Hace un millón de años, Ice Age, Tierra de gigantes, Invasión Jurásica, Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra, Los Picapiedra… todo minucias. Películas de dinosaurios hay a puñados, pero solamente una merece entrar en el olimpo de las… bueno; de las películas de dinosaurios.

Hablo, como no podía ser de otra manera, de Parque Jurásico.

En el mundo hay dos tipos de personas. Infantes que vivieron la Dinomanía y los familiares que la sufrieron. Y es que aquello fue algo muy gordo, o al menos así lo recuerdo (apenas tenía 8 o 9 años).

Todo. Todo se llenó de dinosaurios de la noche a la mañana. Libros de dinosaurios. Peluches de dinosaurios. Pósters de dinosaurios. Carpetas de dinosaurios (maldita sea, yo rompí la mía). Videojuegos de dinosaurios. Incluso los cereales de Pascual escondían un bonito muñeco de dinosaurio en su interior.

sí amigos, yo también sucumbí a la moda (y sí, todavía los guardo)

Parque Jurásico es una película de 1993 dirigida por Steven Spielberg que está basada en la novela de Michael Crichton del mismo nombre, y como ya he dicho, fue un bombazo enorme (a día de hoy está en el puesto #14 en la lista de películas con las mayores recaudaciones, e incomprensiblemente por debajo de la bazofia de Shrek 2).

Resumiendo el asunto, porque ya nos lo sabemos todos, la cosa iba de una empresa (InGen) que encontraba la manera de volver a traer a la vida y clonar a los dinosaurios que vivieron por aquí hace millones de años, y crear con ellos un parque temático. Para estudiar la viabilidad del parque, el dueño de la empresa, John Hammond, organiza un pequeño tour al parque con invitados de lo más variopinto: los dos nietos de Hammond, Lex y Tim, el abogado Donald Genaro, el matemático Ian Malcolm, la paleobotánica Ellie Sattler y nuestro protagonista a la par que paleontólogo Alan Grant. Eventualmente, Dennis Nedry, un empleado del parque, sabotea el sistema y provoca que los dinosaurios se escapen de sus rejas en mitad del tour de nuestros protagonistas.

Y Alan Grant, ataviado con su sombrero blanco, su pañuelo rojo, su camisa azul y sus vaqueros (e interpretado por Sam Neill), es nuestro héroe.

Después de hacerse cargo de Lex y Tim tras destrozar un Tyrannosaurus su coche de visita, les conduce a través de la selva del parque de vuelta al centro de visitantes, al tiempo que les salva la vida un par de veces. O se enfunda un arma para combatir con los Velocirraptores. E incluso habla el idioma de los Brachiosaurus durante un rato mientras están los tres subidos en un árbol fuera del alcance de los carnisaurios.

Eso sí, cabe destacar que hay ligeras diferencias entre el Alan Grant de la película y el Alan Grant original del libro. En el libro, Grant tiene barba, le gustan los niños y no está emparejado con Ellie Sattler (Laura Dern), mientras que en la película sí que lo están; al tiempo que le dan bastante repelús, al menos al principio, los infantes Lex y Tim (aunque siendo fieles a la verdad, Tim le daría repelús a cualquiera).

Después de escapar de Parque Jurásico, Alan Grant empezó a impartir clases y conferencias sobre velocirraptores, aunque acaba siendo contratado tiempo después por un matrimonio rico para rescatar a su hijo de la isla de Sorna, la isla donde realmente InGen creaba los dinosaurios antes de ser trasladados a Jurassic Park, y por donde ahora vagan libremente. Pero esto ya es parte de ese truño llamado Jurassic Park III y tampoco voy a darle mucha más bola.

El futuro de nuestro querido Grant aún no se conoce con exactitud, aunque parece confirmada tanto su presencia como la de Ellie Sattler en la cuarta parte de la película, donde habrá dinosaurios que sabrán manejar armas, entre otras cosas (*sigh*). Quién te ha visto y quién te ve, Parque Jurásico.

Dicho todo esto, levantemos nuestra copa y rindamos un sentido homenaje a este personaje que a muchos nos inculcó las ganas de estudiar paleontología, de buscar fósiles en cualquier descampado con la ayuda de una pala y un martillo, y de comprar cualquier cosa que tuviera forma o que estuviera relacionado con un dinosaurio.

aunque el juego estaba bien, el de SNES era más molón :/

Si mencionásemos ahora mismo a Storm Thorgerson, me atrevería a decir que pocos sabrán de quién estamos hablando. Al menos en primera instancia, porque bastaría con poner alguna de las portadas de discos más reconocidas de la historia para conocer alguna de las creaciones de este artista de mente inquieta y peculiar.

Storm Thorgerson nació en 1944 en Potters Bar, un pueblo inglés de Hertfordshire. Estudió un Bachelor of Arts de Inglés y Filosofía en la universidad de Leicester (1963-1966), y una maestría en Cine y Televisión en el Royal College of Art (1966-1969), donde finalmente se especializaría en Fotografía y Diseño Gráfico.

Fue en Cambridge, donde cursó la educación secundaria antes de partir hacia el mundo universitario, donde conoció y se hizo amigo de Syd Barrett, David Gilmour y Roger Waters, que posteriormente formarían parte de Pink Floyd.

En 1968, y alentados por sus amigos de Pink Floyd, Storm Thorgerson y Aubrey Powell (fotógrafo, diseñador gráfico, director de cine y amigo de Thorgerson) elaboraron la portada del segundo disco de la banda, A Saucerful of Secrets, trabajo tras el cual procedieron a fundar su propia empresa de diseño: Hipgnosis.

Pink Floyd - A Saucerful of Secrets

Y con Hipgnosis se especializaron en la creación de portadas de álbumes (en total casi doscientas), algunas de las cuales son ya parte de la historia de la música. Pink Floyd, UFO, Bad Company, Led Zeppelin, Yes, The Alan Parsons Project, AC/DC, T. Rex, Electric Light Orchestra, Emerson Lake & Palmer, Peter Gabriel, Black Sabbath, Scorpions, Paul McCartney… la lista de celebridades musicales con las que han colaborado es tan extensa como interesante.

si haces clic, se ve más grande y tal

El estilo de Hipgnosis se orientó principalmente a la fotografía, donde fueron pioneros en varias técnicas de manipulación de imágenes (con trucos en cuartos oscuros, múltiples exposiciones, retoques con aerógrafos, cortes y pegados manuales, etc), e incluso llevaron la innovación a la presentación de los discos con nuevas técnicas de empaquetado.

En 1982 la vida de Hipgnosis llegaría a su fin, aunque desde entonces Storm Thorgerson no dejó de lado su faceta artística. Tras su época con Aubrey Powell,  creó el estudio StormStudios donde trabaja con un grupo de freelances de gran talento.

Led Zeppelin - Houses of the Holy

Actualmente sigue inmerso en el mundo de la música, por lo que sigue trasladando la música a imagen en la portada de alguno de los grupos que más han sonado los últimos años, como pueden ser MUSE, The Mars Volta, Dream Theater, The Cranberries, Audioslave, The Offspring, Europe, Helloween, Mike Oldfield o Biffy Clyro.

Aunque en Hipgnosis se podían intuir ya los derroteros mentales de Thorgerson, los trabajos suyos que más me gustan son los que empezó a desarrollar una vez abandonó la compañía y se centró en su “carrera en solitario”, basados sobre todo en el surrealismo, los montajes visuales, las escenas impactantes, los dobles sentidos y los mundos cuasi oníricos, que le dan un toque y una firma a sus obras que hace que sean fácilmente distinguibles como suyas.

Buena muestra de ello son estos trabajos, seleccionados de entre mis favoritos (se pueden ver a alta calidad haciendo clic sobre las imágenes):

The Cranberries – Bury the Hatchet (1999)

Siempre me llamó la atención esta portada de Cranberries. Ese ojo amenazante ante un cuerpo desnudo e indefenso podría no decir nada en primera instancia, pero todo va cobrando algo de sentido después de saber que tras los tres primeros álbumes del grupo, Dolores O’Riordan llegó a tener problemas personales y de salud debido a la persecución de la prensa rosa.

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MUSE – Absolution (2003)

Uno de los leit motivs del tercer disco de la banda inglesa fue la guerra de Irak, con la que se posicionaron abiertamente contra ella y el poder político que la propició, y así lo plasmaron en las letras. La portada no se quedaría atrás, con un individuo mirando a un cielo plagado de esas almas sesgadas por la violencia.

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MUSE – Black Holes & Revelations (2006)

A primera vista esta podría ser una portada surrealista más de Thorgerson, pero teniendo en cuenta que hablamos de un disco de MUSE, donde los desvaríos de Matthew Bellamy se juntan con los de Storm, nada es lo que parece.

Para empezar, la “acción” se sitúa en Marte (supuestamente en Cydonia, que además da nombre a una de las canciones del álbum). Y es cuestión de fijarse un poco para ver que estas reproducciones de los Cuatro Jinetes del Apocalipsis conspirando para acabar con el mundo al tiempo, representan algunas de las lacras actuales, en palabras de Storm Thorgerson: “la paranoia (traje con multitud de ojos), la intolerancia (traje con motivos religiosos), el narcisismo (traje con espejos) y la avaricia (traje dorado)”.

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Pink Floyd – The Division Bell (1994)

Esta portada siempre me ha encantado, aparte de ser uno de mis discos favoritos de Pink Floyd. En él, el hilo conductor es básicamente la comunicación entre las personas. En la portada, Thorgerson hace gala de la fotografía en espacios abiertos que tanto le gusta.

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Pink Floyd – The Best of (2001)

Podría decir que esta es una de mis portadas preferidas de Thorgerson. Es todo un homenaje a los cuarenta años de historia de Pink Floyd, con una portada que se va desgranando por capas como una cebolla, y que está llena de detalles y elementos de toda la carrera del grupo.

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Pero no simplemente de portadas de discos vive Storm Thorgerson, ya que también se dedica al arte conceptual, ilustraciones, fotografía, diseño en general e incluso en la grabación de pequeños cortos fieles a su estilo.

De todo ello dejo habidos ejemplos aquí debajo para completar este pequeño homenaje, con sus correspondientes clics para ampliar:

Deepest Blue - Wave

Audioslave

Phish - Slip Stitch And Pass

Biffy Clyro - Only Revolutions

Deepest Blue - It's a sin

Deepest Blue - Shooting Star Vinyl

Tree of Half Life

Deepest Blue - Planet Anthem

Eyes on Trees

Ineffable Mysteries

Querido Hollywood,

Soy yo, el espectador medio. Te escribo por primera vez y, muy a mi pesar, lo hago para sacarte los colores y darte un tirón de orejas. ¿Por qué? ¿Por qué narices haces estas cosas?

Juntos hemos vivido mucho. Hemos reído, y hemos llorado. De hecho, tú has estado ahí siempre, desde que yo nací, a mi lado. Eras casi como un maestro más. Pues me enseñaste grandes lecciones. Contigo aprendí, entre muchas otras cosas, que “El odio es un lastre. O que “La belleza está en el interior”. Incluso que “Un gran poder conlleva una gran responsabilidad”. Fuiste tú quien me hizo ir a los bosques porque quería vivir a conciencia y sacarle todo el meollo a la vida.

Me enseñaste países lejanos y épocas pasadas. Me hablaste de docenas de personajes históricos. Me contaste leyendas. Contigo aprendí.

Pero también me contaste magníficas y fabulosas fantasías. En Galaxias muy muy lejanas, en los parajes de la Tierra Media o en los mundos de Nunca Jamás. Y me narraste historias sobre increíbles héroes que me servirían de ejemplo. Cautivaste mi imaginación.

Me diste a conocer grandes autores de la literatura como Asimov, Shakespeare, Crichton, Puzo, King, Dumas, Verne, etcétera, etcétera… Todos tuvieron una adaptación que hicieron despertar nuestra curiosidad hacia esos escritores. Me llenaste de cultura.

Por eso es que no hago más que preguntarme… ¿Por qué demonios haces esto? Hace un mes me enteré de una de tus pifias, y ahora otra vez. Hablemos claro.

Los Pitufos. Los Pitufos en 3D. ¿Pero esto qué es?

“Prepárate para algo grande, para algo nuevo. Porque el próximo verano nuestro mundo va a ser…PITUFADO. En tres de.”

Esto es lo que dice el nuevo trailer de los Pitufos. En fin.

Y después de los pitufos… el Oso Yogi?!?! Hollywood, por favor, deja de tomar las series de mi infancia para generar películas tan malas. ¿Qué pretendes con todo esto? Es todo por el dinero seguramente. Como todo. Todo en este mundo acaba reduciéndose al dinero, por qué no ibas a hacer tú lo mismo, ¿verdad? Lo que me pregunto es si vas a sacar mucho dinero con semejante bazofia.

El nuevo oso Yogi 

De hecho, no es la primera vez que haces estas cosas. Aún recuerdo la peli “Los Borrowers”, la pobre adaptación de la mítica serie “Los diminutos” (nadie sabe donde están…). Dragones y Mazmorras, Gardfield… De acuerdo, estos fueron fallos admisibles, pero es que ahora te pones a sacar una adaptación tras otra y me pregunto. ¿Vas a destrozar el buen recuerdo de todas las series de dibujos animados de mi infancia? ¡Para ya!

¿Recuerdas El club de la lucha, El sexto sentido, Los cazafantasmas o Avatar? Esas fueron buenas películas. Vuelve a las andadas. Con el buen cine. Deja de sacar toda la mierda que puedas, por favor. No seas pesetero.

Otra cosa que tampoco termina de convencerme son las secuelas… Pero la verdad es que hay de todo. Te propongo hacer una cosa, voy a ver la película “The next Karate Kid”. Nos lo jugamos todo a una carta. Voy a verla, y cuando termine, hablamos. Ok?

Hasta entonces recapacita en lo que te he dicho.

Atentamente, el usuario medio

Enlaces:

Trailer de los Pitufos:

Trailer del Oso Yogi:

Namaste y buena suerte

Poco antes del final de la serie, se anunciaba que se iba a grabar un epílogo de Lost (Perdidos) con respuesta a las preguntas que quedaron sin responder. Ahora ya se conoce que el epílogo, titulado “The New Man In Charge“, cuenta con 12 minutos de respuestas a preguntas que no se resolvieron durante la serie. La mayor parte del vídeo se lo lleva un nuevo vídeo de orientación, el vídeo de La Hydra. Lo he subido directamente a nuestro servidor por si es eliminado de los demás sitios donde está actualmente (por ser una filtración). Está en versión VOSE y recomiendo que no se vea si aún no has terminado de ver la serie pues contiene la mayor concentración de Spoilers de la historia de Lost.

Para disfrutarlo, descárgatelo aquí.

Si tu navegador soporta HTML5, podrás verla online directamente a continuación:

Bueno, vayamos por partes como dijo Jack (El destripador… se entiende). Me alegra, no creas que no, que se comentes las opiniones aquí vertidas por mí, muchas de ellas críticas, que he de reconocer son duras, pero son mis verdades (que no las absolutas) y mis visiónes de lo que pasa. Me ha encantado el comentario de Juan, en el post “Un alto y llamada de atención”, que es el director de ArteSantaner, por varios motivos: 1- porque se lee, 2- porque se discrepa (y eso esta fenomenal) y 3 – porque el señor Juan contesta a lo que no esta de acuerdo y a lo que si comparte.

Casualidades de la vida, la parte en la que es ta de acuerdo es en la que hago mención a la siguiente frase: “lo más interesante que hay en la ciudad a nivel cultural, que es ArteSantander” Lo entiendo, es ud. Director de ArteSantander y sería de género absurdo decir lo contrario.

Por otro lado, y en este término de contrarréplica, yo sigo en mis trece y si alguien viene y me saca de este sendero con argumentos razonables yo cederé en mi postura y admitiré haber estado equivocado. Creo que, en primer y único término, ArteSantander debiera ser completamente gratuito para todos los públicos sin necesidad de ninguna invitación (Ni de las 13.000 impresas de las cuales no he visto ninguna a pesar de ser santanderino, vivir en Santander y transitar sus calles de noche y de día, ni las de descargar de la página Web del evento organizativo, llámenme ciego si quieren) Finalmente, como bien escribí en ese mismo post creo que la candidatura europea de la cultura en 2016 se consigue con actos grandes y ArteSantander es una oportunidad inmensa para dar un paso más hacia ese objetivo y por eso sigo pensando que debiera ser gratis.

Lo único que es cierto y evidente es que para ver una gran oferta cultural en esta ciudad se tiene que seguir pagando, con precio simbólico o desorbitado según que evento y precisamente eso es lo que yo no quiero para mi ciudad. No voy a decir ni como subvencionar y no como tratar económicamente este tipo de eventos ya que no soy político ni organizador ni recibo un salario para hacerlo, sencillamente lo critico y pido o sugiero una solución para que los responsables tomen cartas en el asunto.

Hasta aquí mi visión o mi verdad. Acabo agradeciendo enormemente al Sr Juan que se tomó la molestia de explicarme su versión de los hechos. de verdad un abrazo y muchas gracias por su interés

PD: la campaña de marketing y conocimiento de la recogida o descarga de entradas de ArteSantander en mi no funciono y creo que en un montón de asistente que se dieron la media vuelta tampoco. Creo que de ese modo podamos resolver su incognita con respecto a: “sto tiene algo de verdad, pero supone para mí un enigma año tras año. ¿Cómo es posible que se vendan entradas al simbólico precio de 4 y 2 euros, cuando circulan 12000 invitaciones impresas, y sobretodo, si cualquiera puede descargarse una invitación desde la web de la feria?”

Si a ArteSantander le va bien, a mi me va bien ya que algo de vinculación con el arte tengo. Ha sido una pena. Repito que vuelve a ser mi percepción de la realidad.

Los pintores de la antigüedad, Velázquez, Murillo, todos estos, ¡se tiraban años y años pintando un cuadro! Luego llegas tú al museo y lo ves en veinte segundos. ¿Y el tío se tira un año pintando para veinte segundos? Una vergüenza. Es que claro, los pintores modernos se han dado cuenta del rollo, ¿eh? ¡Y en veinte segundos te pintan un cuadro! Luego vas tú, lo ves en veinticinco segundos, y le han sobrado cinco segundos al cabrón.

Sirvan estas líneas, sacadas directamente de uno de mis sketches favoritos de Faemino y Cansado, como introducción a un tema recurrente en las discusiones sobre el Arte en general y, ya metidos en camisas de once varas, sobre el Arte Contemporáneo en particular.

¿Todo vale en el Arte?

Digamos que he tenido la suerte o la circunstancia de haber trabajando durante un tiempo en un museo de Arte Contemporáneo (en el Reina Sofía de Madrid concretamente), y las discusiones sobre lo que era Arte y lo que no, eran casi el pan de cada día. Y para comenzar dicha discusión, no está de más empezar sabiendo qué es propiamente el arte, aparte de morirte de frío:

arte.
2. amb. Manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.

Eso dice la RAE y básicamente lo comparto, ya que a fin de cuentas pocas cosas hay más subjetivas que el arte. Y es que, ¿qué puede ser más subjetivo que una visión personal de algo real o imaginario?

En general defiendo bastante el Arte Contemporáneo (me apasionan los Mondrian, Rothko o Kandinsky >_<) de las hordas de talibanes que ponen a caer de un tiesto a las vanguardias o modernidades cayendo en la absurda comparación de las mismas con el “Arte de verdad” al que tanto se recurre, cuando no es más que otra forma (simplemente más fiel) de representar una idea. Y es que no es el Arte, a mi entender, una cuestión de técnica, si no de conseguir emocionar al espectador.

emoción.
2. f. Interés expectante con que se participa en algo que está ocurriendo.

Una técnica encomiable tocando la guitarra eléctrica la tienen Steve Vai y Joe Satriani, pero para emocionarme de verdad me va mejor un solo de David Gilmour o un pasaje de Mike Oldfield. Lo cual no quita que alguien encuentre soporíferos a estos dos personajes y prefieran escuchar algo más movido.

Cuestión de gustos. Habrá quien prefiera un caballo pintado por Gericault que por Picasso, y viceversa. No es cuestión de técnica, si no de emocionar, repito.

find the differences

Es por ello que el sentimiento general sobre el Arte Contemporáneo versa más sobre la sensación de que le estén tomando el pelo a uno, que con que a uno le guste y le emocione lo que está viendo, aunque siendo estrictos, la obra ya consigue emocionar a alguien aunque sólo sea para sugerirle que lo que está viendo es un montón de mierda (ya lo siento, pero soy de los que cree que si alguien va a ARCO a despotricar sobre lo que ve, el artista ya consiguió algo con su obra).

Está claro que un cuadro de Mondrian o Rothko los podría haber hecho un niño, salvo por el detalle de que no los hizo un niño. Se les ocurrió a ellos inventar un concepto y lograron transgredir gracias a él.

En 1952, John Cage pensó en crear una pieza compuesta por el propio entorno donde se interpretase, y de esa forma logró transgredir con su archifamosa 4’33″. Del mismo modo que lograron transgredir Matisse, Picasso, Duchamp o Tzara. Tuvieron su momento igual que lo tuvieron Mozart, Elvis Presley, The Beatles, Pink Floyd o Nirvana. O igual que Bernini, Gropius, Le Corbusier, Gaudí o Van der Rohe. Todos ellos han sido pasos necesarios en la evolución del Arte.

Lo malo del Arte actual es que ya está casi todo inventado, y hay poco o nada que realmente transgreda y sobresalga sobre el resto. Es complicado crear vanguardia cuando todo está hecho, y ya a nadie le va a pillar por sorpresa un vómito estampado en un cuadro, o una escultura creada a partir de aparatos dentales fundidos.

un milloncete de euros la "broma"

Mi compañero de escrituras David García lo expresaba bien en algún otro momento, en algún otro lugar:

¿Quiere esto decir que está bien que a estas alturas alguien pretenda ganar dinero por vender lienzos en blanco con una mosca aplastada con el pulgar en una esquinita? Claro que no, más bien por el aspecto económico… pero estoy seguro de que hay montones de artistas sin el ego subido que sólo buscan provocar reacciones con lo que pintan o exponen… expresarse al fin y al cabo, y eso hay que respetarlo mientras no haya dinero de por medio.

Vamos, que a mi me parece estupendo que Marcel Broothaers se tirara veinte años sumido en la pobreza y encontrara su lugar en el mundo del arte haciendo collages con cáscaras de huevo. O que Yves Klein patentara un color azul y eliminara el contenido de su obra para dejar al espectador con la huella que había dejado dicho contenido. E incluso no creo que el debate deba centrarse en si es verdad que Lucio Fontana quería trascender de la dimensionalidad del lienzo plantándole una raja con un cúter en todo el medio.

Lo que me parece más discutible es el snobismo que se crea en torno a los autores y sus obras, y que acaba provocando una burbuja promovida por los gurús que dictan qué está de moda y qué no, y que hacen que una servilleta donde Joan Miró garabateó dos mierdas mientras hablaba por teléfono llegue a costar miles de euros.

Todo eso ya me parece más absurdo.

Limitémonos, pues, a disfrutar del Arte en su generalidad más general. Reduzcámoslo al “esto me gusta” y al “esto no me gusta”. No hace falta ser expertos en Historia del Arte para apreciar las cosas que nos emocionan o dejan de hacerlo. Todos sabemos cuándo un disco de música, un libro o una película nos llega dentro, sean del género y estilo que sean.

No caigamos, pues en el fatídico discurso de Antonio López, el pintor realista…

Imaginaos los recelos que provoca entre mis compañeros de profesión, gente que es moderna, que van con brochazos a lo loco. Vengaaa, el arte de los sinvergüenzas. Gente con mucha caradura que lo que le gusta es la abstracción. Les gusta hacer… mierdas.

Pinche aquí para ver el vídeo

¿Y a tí qué te gusta?

El penúltimo concierto de la Amstel Música en Grande, y uno más en el que estuvimos presentes para ofreceros nuestras impresiones. Estaba vez le tocó el turno a Joaquín Sabina, único concierto hasta la fecha sin teloneros, hecho que se agradece cuando uno no es un gran fan de la música que va a presenciar. No es que la música de Joaquín me desagrade, pero tampoco le he prestado nunca demasiada atención. Así pues, me presenté en el concierto con un desconocimiento casi total de lo que iba a ver. Y he de reconcoer que disfruté y mucho de la actuación.

A las 21:00 llegamos a la campa de la Magdalena, y mi compañero y yo nos presentamos para obtener sendos pases de prensa. Sin embargo este concierto era muy distinto al de Mägo de Oz debido a la existencia de otros pases, los pases VIP, que autorizan a los personas que los posean a acceder al foso de periodistas para ver el concierto. Total, que mi compañero se tuvo que quedar fuera del foso por exceso de gente, y una vez en el foso el caos era absoluto. Viejecitas sentadas por allí con su copichuela mientras los periodistas intentaban encontrar un hueco para hacer su trabajo. No es que a mi moleste demasiado, pero estoy seguro que a los que trabajan de ello no les hizo gracia la jugarreta.

La primera canción en sonar (con un cuarto de hora de retraso) fue “Tiramisú de limón”, primer single de su último disco (en el cual participan Pereza). Una gran canción para empezar, bastante cañera para lo que suele hacer Sabina, sirvió para empezar a calentar al público. La siguió otro tema de su último trabajo, “Viudita de Clicqout”.

“Aves de paso” fue el preludio al primero de sus grandes clásicos, “Llueve sobre mojado”, canción que originalmente cantara Fito Paez. En esta ocasión, el papel de Fito Paez lo hizo su guitarrista rítmico. Una de las cosas que más me gustó del concierto fue la gran banda en la que se apoya Sabina, en la que todos cantan, hay varios multi-instrumentistas, y en la que destaca por encima de todos la gran Marita Barrios.

Tras “Peor para el sol”, la propia Marita salió a cantar en solitario “Y sin embargo, te quiero”, canción anteriormente interpretada por Marta Sánchez, Olga Román o Rocío Jurado. Es impresionante tanto la voz como la actitud de Marita en el escenario. Con un toque sensual a la par que elegante, es capaz de atraer las miradas del público con sus gestos y su voz. Sin duda un complemento genial para Sabina en los conciertos.

Uno de los grandes momentos de la noche fue “Pacto entre caballeros”, otro de sus grandes clásicos y todo un acierto para el directo, reminiscencia de otros tiempos en los que Sabina era más rockero. Disfruté un montón de esta canción. Dos grandes clásicos la siguieron poco después, “Y sin embargo” y “Peces de ciudad”.

Toda la actuación estaba siendo proyectada por las pantallas gigantes, al igual que en el resto de conciertos. Sin embargo, el propio Sabina se llevó a sus cámaras y a su realizador en esta ocasión. El resultado evidente fue una perfecta coordinación que permitía disfrutar a los que nos encontrábamos en filas lejanas de lo más importante que ocurría en el escenario en todo momento. Un lujazo.

Tras una insulsa “Prado, Sabina, Praga”, llegó la gran “Una canción para la Magdalena”, aprovechando que estaban tocando el palacio de la ciudad. Marita salió vestida de prostituta, como sugiere la canción, lo cual dio para varias bromas por parte de Joaquín (“Cobra menos por cantar que por esto”).

Antes de los bises, cayeron las inevitables “19 días y 500 noches” y una versión acelerada del mega-clásico “Princesa”, que aunque suene contradictorio en mí (que siempre pido más caña en tipo de conciertos), me gustó mucho menos que la original. Al volver de los bises interpretaron varias canciones un poco más relajadas como “Vinagre y rosas” y “Noches de boda” antes de la coreada por todos “Y nos dieron las diez”.

Luego se fueron, y mucha gente del público se fue con ellos ignorando que volverían para interpretar “Pastillas para no soñar”, la enorme “Contigo” y la cañera “La del pirata cojo” para cerrar una actuación que me dejó un gran sabor de boca, mucho mejor de lo que me esperaba. Espero poder volver a asistir a un concierto del poeta algún día. Aqui os dejo con mas fotos de la actuacion.

¡Hazte autor! Como verás a la derecha de nuestra web, hemos vuelto a colgar el cartel de “¿Tienes Cosas Que Contar?”. Aprovechando el tirón que hemos obtenido gracias al Especial AMG, vamos a intentar incrementar nuestro equipo en una o dos personas.

Tengas o no blog, experiencia en los mismos o no hayas escrito nunca en uno, contamos contigo. Solo necesitas ganas de contar cosas. Ya sabes que no tenemos una temática específica y cualquier aportación, sea del ámbito que sea, seguro que nos es beneficiosa.

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Actualización 1: Ya tenemos uno de los dos autores que buscamos. A partir de hoy, Óscar Montequín nos contará, con una visión muy personal, diversos temas de actualidad. ¡Bienvenido Óscar!

Cuatro días y siete actuaciones han conseguido que cerca de 60.000 personas se pasen por el Amstel Música en Grande de este año. 60.000 personas de las cuales 45.000 se las reparten Kate Ryan y La Oreja de Van Gogh. Además, faltan todavía dos de los conciertos más esperados por el público, Joaquín Sabina (que se está desarrollando en estos momentos) y Miguel Bosé (mañana).

El primer día, la belga Kate Ryan, reunió en la Campa de la Magdalena a más de 20.000 espectadores. El segundo día de conciertos fue el miércoles, ya que el martes estaba prevista la actuación de Miguel Bosé quien ha aplazado su concierto al próximo martes día 3 de agosto por una laringitis. Este día, La Oreja de Van Gogh, con su concierto solidario, consiguió un lleno total con más de 25.000 espectadores. Espectadores que formaron colas que llegaban hasta el Casino y que estuvieron entrando hasta pasadas las 23:30.

El jueves, día del rock, Los Suaves y Mägo de Oz, consiguieron reunir a más de 8.000 personas. Y Manuel Carrasco + Tamara unas 5.000.

Aún quedan 2 conciertos que contabilizar y se esperan superar los datos alcanzados en la pasada edición con 93.000 personas. 103.000 espectadores es el dato que se espera desde la organización.

Lejanos quedan aquellos tiempos en los que Jean-Michel Jarre tiraba de mastodónticos conciertos en los que cientos de miles, e incluso millones de personas, se daban cita. Para la posteridad quedan esos conciertos de La Défense en París o los de Houston/Lyon, con los que logró entrar varias veces en el libro Guinness de los récords por afluencia de asistentes.

Consciente de que sus años en lo más alto de la cumbre fueron pasando poco a poco, se embarcó en 2008 en una gira donde presentó su primer disco completamente reinterpretado, Oxygène, rodeado de unos medios más humildes, con un pequeño escenario abarrotado de sintetizadores analógicos.

En 2009, y visto el éxito de dicha gira, presentó su nueva tournée mundial, In-Doors 2009/2010, en la que rescataba sus grandes éxitos después de la baja aceptación de sus últimos trabajos (¿Teo & Tea, en serio?).

Y en mitad de esta gira In-Doors se le presentó a Jarre la oportunidad de organizar un concierto especial en España, concretamente en la plaza del Obradoiro en Santiago de Compostela, con motivo del final de fiesta del año Xacobeo 2010.

¿Qué tal fue la cosa?

Huelga decir que un servidor es fan de Jean-Michel Jarre desde la más tierna infancia, así que cuando hace un par de meses saltó la noticia de que vendría a España a dar uno de sus conciertos de grandes éxitos, la idea de hacerse Madrid-Santiago con dos de mis tíos, también fans del francés, para ver el concierto y volverse al día siguiente ya era de todo menos descabellada.

Llegamos a eso de las 16.30 con un calor y una humedad considerable en la ciudad, y después de comer algo procedimos a echar un vistazo a la famosa plaza para ver cómo iba a estar planteado el asunto. Allí se levantaba majestuosamente la catedral, y para sorpresa de los asistentes, el escenario estaba plantado en el mismo monumento, sobre la escalinata del mismo. Primer y único artista al que se le ha permitido tocar en dicho lugar. Ser embajador de la UNESCO supongo que habrá sido de ayuda, jeje.

También es de reseñar que a las 17.00 la congregación de asistentes sentados en el suelo y cogiendo sitio ya era cuanto menos abundante, teniendo en cuenta que el concierto en principio no daba comienzo hasta las 22.30, así que nos terminamos sumando a los ansiosos que ya cogían lugar.

Cinco horas y media que a pesar de ser largas, se amenizaron viendo cómo se ultimaban los detalles en el escenario, con un Jarre minucioso que supervisaba hasta el último detalle de cada instrumento, saludando de vez en cuando a los que allí nos dábamos cabida.

A eso de las 19.00 empezaron las pruebas de sonido, que lejos de ser simples notas al azar de cada sintetizador, se tornaron en interpretaciones completas de varias de las canciones del tracklist, para mayor gloria de los asistentes. Oxygène II fue la primera y la que más de imprevisto pilló a todo el mundo, pero luego le siguieron Calypso III o Rendez Vous II entre alguna que otra más. Una Rendez Vous II que sonó absolutamente colosal, todo sea dicho, y que arrancó de la gente sonrisas nerviosas por ver tan sólo el anticipo de lo que estaba por llegar.

Y ya a partir de las 20.00-21.00 empezamos a arrepentirnos de habernos mofado de bastante gente a la que habíamos visto con chaquetas y cazadoras desde las 17.00, porque empezó a soplar el viento y a hacer un frío que para los que estamos acostumbrados a estar a 35º en plena noche, se antojaba poco menos que hipotérmico.

Jarre había anunciado que a pesar de que el concierto estaba estimado para las 22.30, el show no empezaría hasta que fuese completamente de noche, para poder apreciar mejor todo el aspecto visual. Por suerte, anocheció pronto en Santiago y a las 22.32 se apagaban todas las farolas de la plaza.

La Catedral de Santiago se tornó azul acompañada por las voces de asombro de todos los asistentes y tras las palabras iniciales de Jarre (traducidas toda la noche al español por una traductora) empezó a sonar Oxygène II.

Jarre fue uno de los precursores de la música electrónica en los años 70 y durante todos estos años ha seguido investigando e innovando en los sistemas de sonido que usa en sus conciertos. Los altavoces en esta ocasión se limitaban a dos columnas más bien escuetas que sin embargo dejaban con la boca abierta (y las orejas) al gentío por el volumen y la calidad del sonido.

A Oxygène II le siguió una versión reducida de Magnetic Fields I (de agradecer, puesto que la original duraba cerca de veinte minutos) y Equinoxe VII. Comenzaba así el concierto con tres canciones de sus tres primeros discos antes de ponerse a presentar a sus tres acompañantes en el escenario, alguno de ellos amigo y colaborador en los directos desde hace años, como Francis Rimbert o Claude Samard.

Tras las presentaciones, siguen Equinoxe V y Rendez Vous III (una de mis favoritas), lo que representa la primera aparición del arpa láser, uno de los instrumentos característicos de los conciertos del francés. Un arpa con nueve haces láser a modo de teclas de piano que van sonando a medida que se tapa cada haz con la mano. Todo ello aderezado con algo de pirotecnia en los golpes fuertes del tema. Es complicado imaginarse esto sin conocer dicho instrumento, así que dejo un breve vídeo a modo ilustrativo.

Pinche aquí para ver el vídeo

Después siguió uno de los platos fuertes de la discografía, Magnetic Fields II (todavía me parto el ojete recordando el videoclip de esta canción… años 80 en estado puro), aunque en esta ocasión las bases rítmicas se desacompasaron un par de veces respecto a la música, tampoco nada demasiado grave. Mención especial para la primera ida de pinza de Jarre al final del tema.

A Jarre se le notó cómodo en su papel más showmanístico, animando y hablando al público constantemente, pegando saltos, correteando por el escenario y subiendo y bajando las escaleras, y tuvo a cuenta sacrificar el final original de alguna canción (este Magnetic Fields II por ejemplo) para dar rienda suelta a sus ganas de juguetear con los sintetizadores improvisando lo que dios le dio a entender.

Después, Souvenir of China, sirvió para tranquilizarle un poco los ánimos, con esta evocadora y bonita pieza que le gusta lucir siempre que puede en homenaje a sus recuerdos del país oriental, seguida de la, porqué no decirlo, soporífera Oxygène V. Así que después de ambas piezas lentas, Jarre se salió por la tangente con la Variation III (una de las tres pequeñas variaciones que incluyó en la reedición de Oxygène en 2007), haciendo esta vez mucha más gala de los desvaríos electrónicos que se le pasaron por la cabeza a lo largo de cinco minutos. Me gustaba más la pieza original, desvaríos aparte, pero es el precio que hay que pagar por la diversión que Jarre ha vuelto a encontrar por tocar en directo.

Porque sí, hay que reconocer que después de años abusando del playback en sus conciertos cual Kraftwerk, Jarre se ha reencontrado con la experiencia musical del directo, y se agradece mucho. Al igual que se agradece que por fin se haya decidido a tocar bien el theremin (ese genial instrumento del que ya hablamos por aquí) con una muy evocadora pieza bastante improvisada. Bien por Jarre aquí.

He mencionado poco el show en sí, pero es que es más digno de verse en fotos y vídeos que explicado en palabras, porque Jarre consiguió una vez más en el Obradoiro meterse a la gente en el bolsillo usando la plaza entera de escenario, con animaciones, luces y láseres de todos los colores y proyecciones en los laterales de la catedral para varios de sus temas.

Proyecciones como las de Equinoxe IV, con la portada del disco homónimo convertida al 3D y sus muñequitos tomando formas variadas y moviéndose al ritmo de la música. Otra de las piezas imprescindibles de Jarre este Equinoxe IV, que en directo gana enteros (qué grande ese segundo desvanecimiento del tema).

Tras Equinoxe IV, le dedica un tema nuevo a la UNESCO por el trabajo que hacen en todo el mundo, con proyecciones sobre números globales, como los emails que van mandados en el día, muertes infantiles por falta de agua o barriles de petróleo que quedan en las reservas. Jarre fue hace cuarenta años uno de los pioneros en abogar por un planeta más verde y agradece que hoy en día se le de más importancia al asunto.

De su disco Revolutions solamente suena la segunda parte de su Industrial Revolutions (un poquito repetitiva, nunca me gustó demasiado ese disco >_<), y tras ella suena otro de los grandes pilares de su discografía, la “sinfonía” electrónica Rendez Vous II dividida en cuatro partes. Diez minutos de éxtasis que no se viene a menos a pesar de haberla escuchado ya en los ensayos de la tarde. Sintetizadores variados, coros patrocinados por Vocaloid, de nuevo el arpa láser en el tercer movimiento… muy completa.

Debo destacar que pensé que al ser un concierto gratuito, en el público los fans de Jarre íbamos a ser la minoría, pero tras los oeoeoés al terminar Rendez Vous II y los gritos y aplausos generalizados al empezar Rendez Vous IV (otro de sus grandes éxitos), me percaté de que casi todo el mundo allí sabía perfectamente dónde estaba, y los vítores y saltos se dieron en casi todo el público presente.

Con su organillo francés al cuello bajó un poco de revoluciones con Chronologie VI, para seguir después con la ya más movidita Chronologie II, que sirvió como primera despedida del concierto antes de los bises.

Tras un par de minutos a oscuras, las luces volvieron a encenderse, y tras la vuelta de todo el mundo al escenario, Jarre se hizo el cachondo avisando que probablemente conoceríamos la canción que sonaría a continuación: Oxygène IV, su éxito más famoso de todos, seguido de Oxygène XII, perfecta para terminar de subirle los ánimos al personal.

Otro pequeño parón más y la despedida final, agradeciéndole a todo el público su presencia y a las autoridades el poder haber hecho posible el concierto. A ellos le dedica Calypso III, que deja en lo alto, y ya con cierto tono de nostalgia, un concierto mítico para la ciudad y el país.

Termina así definitivamente un concierto de notable alto / sobresaliente bajo, al que no le doy un 10 por detalles tontos totalmente subjetivos. Principalmente diría que debido a la definición del espectáculo, en ocasiones dicho espectáculo sobrepasa a la música, al tiempo que la música sobrepasa al espectáculo, y uno puede sentirse un poco fuera del show en sí mismo en algún momento. Bueno, y tampoco le perdono no haber interpretado Chronologie IV, pero eso ya es cosa mía

No he echado de menos ningún tema de Metamorphoses, Teo & Tea o Geometry of Love. Jarre sabe perfectamente lo que sus seguidores queremos escuchar, y por eso el 90% del concierto se reduce a sus discos entre Oxygène (1973) y Chronologie (1995), a excepción de Zoolook (1984) por ser demasiado experimental, y dejando algún resto para Oxygène 7-13 (1997) o Aero (2004).

Jean-Michel Jarre es consciente de que sus años más grandes ya pasaron, pero eso no impide que siga arrastrando a gente cuando se lo propone. Puede que ya no llene las calles de París con dos millones de personas, pero sigue teniendo una legión de fans que llena cada pequeña o mediana avenida que se propone (8.000 personas el sábado en el Obradoiro, y porque hubo restricción de público por lo reciente del trágico suceso del Love Parade).

Así que nada. Agradecerle al que tuviera la idea de traer al francés por estos lares y a esperar que no vuelva a tardar otros 17 años en ofrecernos algo de este calibre.

Aunque no aparezca ahí arriba, dónde pone “Los que tenemos Cosas Que Contar”, yo hoy te cuento.

Y sinceramente me apetece hablare, o escribirte, sobre la polémica decisión del Parlamente de la Generalitat de Catalunya sobre la prohibición de los toros en la comunidad autónoma. Mira, vaya por delante, como se suele decir, que me considero anti-taurino, pero vaya por delante también que me considero español, y a mucha honra, por que no decirlo. No me considero independentista y también considero que, lamentablemente y por los dirigente que hemos elegido, se ha politizado de una manera cuando menos asquerosa esta cuestión.

Sí, es verdad que se ha politizado y es una pena horrible. ER, CIU y algunos otros partidos de la izquierda independentista de cataluña huyen de las raíces españolas. Que por otro lado es muy respetable por que, por (infinita) suerte vivimos en un país que es LIBRE (sí, sí, en mayúsculas por que hay que decirlo así) y eso es algo innegable. Me parece pobre, rastrero, infame y odioso que se haya usado esto como una arma política, que por otro lado se veia venir tarde o temprano. Creo que ha quedado clara mi opinión en ese aspecto.

Hacer sufrir a un animal, sea cual sea desde los galgos ahorcados en los campos de Castilla hasta los gallos de peleas de la comunidad canaria, es de género tonto como poco y para mi la muerte con sufrimiento de un toro es hacer sufrir a un animal. te voy a decir más, no pienso respetar al que apoya el “arte” de matar con sufrimiento a un toro por que quien no respeta a un animal, no me respeta a mi y para mí eso es una falta de respeto muy grave. He tenido que escuchar sandeces del estilo de “no hombre, si cuando le clavan las banderillas el animal libera estrés” y cosas como esa me han puesto malísimo. Vamos a clavártelas a tí, entonces veremos que te parece.

Si, es verdad, al caer la Monumental (por cierto preciosa construcción he de reconocer) caerán puestos de trabajo. Seguramente cuando eliminaron el garrote vil también eliminaron puestos de trabajo pero era necesario.

Y por último, dejemos ya de divertirnos a costa de los otros, de animales que no tienen culpa de que españoles se aburran una tarde de domingo y decidan ir a ver morir a una pobre criatura entre sufrimiento y dolor. la época de los circos romanos dejaron de existir hace ya mucho tiempo.

PD1: cada domingo escucho el programa “Los Toros” de Manolo Molés en la SER y sigo siendo anti-taurino. Ese hombre y su séquito me lo hacen pasar bien. Con esto quiero decir que no se debe confundir una cosa con la otra.

PD2: sigo sin estar en ese apartado de arriba a la derecha,dónde pone “Los que tenemos Cosas Que Contar”, pero ¿Has visto lo que te he contado?

Jueves 29, el día del rock por fin llega a la Semana Grande de Santander, y allí estuvo un servidor cámara en mano para contarlo. Las bandas acudían presentando sus últimos trabajos, “Adiós, adiós” de los Suaves y “Gaia 3: Atlantia” de Mägo de Oz, ambos salidos al mercado recientemente. Todo ello presentado por Rafa Basa, el conocido periodista del mundillo del heavy metal. Es decir, se preveía una buena noche.

A las 9:20 de la noche hicimos acto de presencia en el recinto con Rafa Basa ya subido en el escenario. Era la primera vez que presenciaba una de las presentaciones del periodista, odiado y amado casi a partes iguales. Su tarea básicamente consistía en pinchar música y animar un poco al público con las típicas cantinelas de que el heavy es lo mejor. Lo hizo un poco de aquella manera, pero sin duda mejor eso que nada. Prefiero esperar mientras escucho a Hamlet, Koma, Warcry o Barón Rojo que esperar mientras miro a los pipas montar y desmontar cosas. Eso sí, cuando dijo que habían acudido 20000 personas al concierto se pasó cuatro pueblos. En el diario montañés indican que la asistencia fue de casi 5000 personas, dato que concuerda bastante mejor con lo que vi por allí. Aunque estos cálculos nunca se me han dado demasiado bien.

Con puntualidad inglesa empezaron a sonar los Suaves. De inicio sonaron algunos de los temas de su último disco, y la verdad es que se notó que mucha gente de entre el público no se sabía las canciones. Más o menos en la cuarta canción sonó “Palabras para Julia” y ahí se empezó a calentar un poco el ambiente.

Yosi, como nos tiene acostumbrados, salió a cantar acompañado de una buena cogorza. De todas formas, en la noche de ayer se contuvo bastante (nada de desnudarse o subirse por la estructura del escenario como le he visto hacer en otras ocasiones). La castaña que normalmente le acompaña suele ser motivo de alegría y jolgorio para los fans del grupo, pero ayer a Yosi se le veía triste y aletargado. Se pasó todo el concierto hablando de una tragedia que aconteció en el mismo día del concierto (aunque no dijo cual), e incluso comentó que lo mejor sería “no hacer el concierto y que nos jodiéramos todos”.

Sea lo que fuere lo que pasó, por suerte el Yosi se apoya en un gran grupo que intentó tirar del carro, y llegado el final de la actuación lograron animar un poco al cantante. También influyó el público, que respondió inmediatamente ante clásicos como “Malas noticias”, “Dile siempre que no estoy” o “Pobre Jugador”. Los asistentes terminaron de explotar cuando Los Suaves nos regalaron su gran clásico, un “Dolores se llamaba Lola” que nunca pasará de moda, y que hizo botar como locos a todos los presentes.

Cuando parecía que todo había acabado, el grupo retornó al escenario para interpretar un par de bises, con Yosi enfundado en una camiseta del Racing con el 10 de Munitis a la espalda, gesto que subió los ánimos de los asistentes, que lo dieron todo en los últimos compases del concierto. Con “Ya nos vamos” cerraron una actuación de luces y sombras, con momentos espectaculares, pero que acusó el estado de ánimo de su cantante y una excesiva inclusión de temas de su último trabajo.

Antes de que Mägo de oz saltaran a escena, Rafa Basa volvió para amenizar la espera entre una banda y otra, pero ciertos problemas de sonido sólo le permitieron pinchar “Back in black” y “A rainbow in the dark”, con la que rindió homenaje al recientemente fallecido Ronnie James Dio.

A las 00:20 de la noche se empezaba a escuchar “El latido de Gaia”, intro que abre el último trabajo del grupo, tras el cual arrancaban con el lento piano inicial y los riffs power-metaleros posteriores de “Dies Irae”, seguida justo después por “Vodka’n Roll”. Un inicio demoledor y un público entregadísimo. Desde el comienzo se puede ver a unos Mägo divirtiéndose sobre el escenario.

“Satania”, “Astaroth”, “El hijo del blues” y “Gaia” fueron las siguientes en caer, y la vez es que supusieron una muy agradable sorpresa para mí. Esperaba un concierto cargado de hit-singles, y la inclusión de esta clase de canciones logró encenderme y rememorar aquella época en que Mägo me ayudó a descubrir que hay más música que la que suena en la radio. Lo cierto es que al final cayeron todos los hit-singles uno tras otro, pero en este momento disfruté del concierto como un niño. Jose demostró en estas canciones que está en un excelente momento de forma, en contra de lo que se comenta por algunos foros de internet. Además, la compañía de Patricia Tapia hace que la voz en esta banda esté perfectamente cubierta.

“Siempre” y “Fuerza y honor” fueron las siguientes. La balada del último disco está dedicada a una amiga de Txus que murió recientemente, y la tocarán en toda la gira. La verdad es que no me gusta en absoluto, las baladas son uno de los puntos débiles de Mägo. La instrumental combina partes de violín y flauta muy alegres con pasajes intermedios muy aburridos. No es la mejor instrumental que tienen, desde luego, pero tampoco defraudó.

Entonces empezó a sonar “Molinos de Viento”, y de ahí en adelante deleitaron al público más casual con todos sus singles. No es que su vena más comercial me resulte desagradable, pero habría preferido que dejaran un par de ellos o tres en el tintero, y ofrecieran un poco más de variedad (que la tienen y mucha), ya que toda una hora de este tipo de canciones me parece un poco excesivo. “La posada de los muertos”, “La costa del silencio”, “Hasta que el cuerpo aguante”, “Que el viento sople a tu favor”… Solo “El que quiera entender que entienda” (que también fue single, pero bastante diferente a los anteriores) y “Ayahuasca” introdujeron un poco de variedad (canción que aunque en estudio me parece horrible, en directo es muy divertida, con toda la banda haciendo tonterías muy variopintas).

En este tipo de música es donde la banda más disfruta, pudiendo hacer todo tipo de coreografías y movimientos (Frank y Peri y sus saltitos son ciertamente divertidos), que sirven para incitar a moverse a la gente. Lo cierto es que al final Mägo es eso, música divertida para pasarlo bien, con calidad y sin complejos. Vi a un montón de gente ajena a la música rock que no conocía sus canciones bailar y pasarlo muy bien, cosa que no muchas bandas del panorama suelen conseguir.

Antes de acabar la actuación, invitaron al ex-racinguista Amavisca a disfrutar con ellos de la última canción, la inevitable “Fiesta pagana”. Tema odiado por un gran porcentaje de la escena heavy por el simple hecho de ser conocida y disfrutada por la mayoría de personas de este país. Un motivo bastante cutre para condenar a una canción y un grupo. Lo cierto es que a mí me encanta y espero que la sigan tocando mucho tiempo.

En resumen, tanto los Suaves como Mägo nos brindaron buenos conciertos, aunque el repertorio no fue el acertado en ninguno de los dos casos, en mi opinión. Sin embargo ambas bandas consiguieron hacer disfrutar tanto a mí como al resto del público. Esperemos que en años venideros siga habiendo un día del rock en las fiestas de Santander. Aquí os dejo con unas fotos más.

Continuamos con nuestro Especial Amstel Música en Grande, ahora en su segundo día. En esta ocasión le ha llegado el turno a uno de los conciertos más esperados: La Oreja de Van Gogh, concierto que pone punto y final a gira A las 5 en el Astoria que lleva más de un año recorriendo toda nuestra geografía. Junto a los donostiarras y como teloneros, hemos tenido la presencia de un grupo de origen cántabro (aunque afincado en Madrid) que se presentan como Vinilo Rock. Todo ello bajo un concierto solidario llevado a cabo con la colaboración de Merkamueble y la asociación Cantabria Ayuda.

Como era de esperar, el éxito del segundo día estaba asegurado: concierto por invitación o por bajo coste, grupo de primerísima fila nacional y una noche despejada y agradable. Si a alguien le vale el hecho de que es un concierto solidario, pues también.

Se veían pequeños detalles que la organización había tenido en cuenta en el día anterior. Por ejemplo, la entrada de público se hizo de forma mucho más ordenada y fluida, en contra con la cola inmóvil del último concierto. En primera instancia, el que la cola fuera menos voluminosa podría hacer pensar que iba a haber menos gente, pero nada más lejos de la verdad pues, a las 23:30, 2 horas y media después de la apertura de puertas, aún había personas entrando. Según pude saber, para obtener un sitio centrado en primera fila, debías estar desde las seis de la tarde haciendo cola. Otra de las cosas que se habían mejorado fue… ¡El foso de prensa! Sí, aquello que criticaba ayer había sido ampliado un metro y se impedía a los espectadores VIP tomarlo en su totalidad. Parece que las críticas sí que valen para algo.

Poco antes de las 22:00, el grupo telonero, Vinilo Rock, tomaba el escenario para tocarnos una buena selección de clásicos del pop-rock español. Como no podía ser de otra manera la actuación comenzó con el particular Bienvenidos de Miguel Ríos. Gracias al abundante público y a la música que todos conocemos, la fiesta estaba garantizada. Todo el mundo se animó a seguir las versiones del grupo. Tras el Bienvenidos llegaron otros clásicos como Déjame de Los Secretos, Bailando de Alaska, Me Colé en una Fiesta de Mecano, Devuélveme a mi Chica de Hombres G o, con mención especial a Antonio Vega, La Chica de Ayer.

Tras una hora de buena música tocaba esperar aun un poco. En esta ocasión unos 25-30 minutos para que llegara lo más esperado de la noche: Leire, Xavi, Pablo, Álvaro, y Heritz. La Oreja de Van Gogh.

Con una puesta en escena de lo más simple se dedicaron a lo suyo, a deleitarnos con su particular e inconfundible estilo musical. Tratándose de uno de los conciertos de presentación de su último disco de estudio (último concierto), pudimos escuchar cada uno de los temas que lo compone. Además, y como es costumbre, pudimos disfrutar de clásicos de La Oreja como Cuéntame al Oído, París o Muñeca de Trapo.

La fiesta se prolongó hasta las 00:50 cuando el grupo se despide y entre el público suena el particular ‘otra, otra’. Tras dos largos minutos, vuelven. Pero esta vez con un nuevo atuendo: el pañuelo de las fiestas de Santander. El concierto se prolonga 15 minutos más acabando, definitivamente a la 01:05 con un tema que le viene perfecto a esta ciudad: La Playa.

Conclusión: un buen concierto, con todo lo que permite un evento en exteriores. En la línea de un grupo nacional de renombre al que ha merecido la pena asistir, ¿no? Sobre todo si es gratis o, a lo sumo, por 3 €.

Como siempre, os dejo unas cuantas imágenes más:

Fotos: Roberto Amor

Bueno vale, como mal estudiante mi profesor, el señor director de este maravilloso portal, me ha dado un tirón de orejas, en parte merecido, por dejar de hacer mis deberes. Además me veo en la obligación de volver a empezar, otra vez, en este proyecto, no sólo con mi señor jefe sino contigo, que estas ahí leyendo todas las cositas interesantes que aquí se publican.

Y una vez hechas las pertinentes presentaciones vamos a lo que toca. Como ya sabreis esta bendita casa ha sido acreditada para cubrir los conciertos de la Semana Grande de Santander, si, si, ese evento patrocinado por una marca conocida de cerveza. Y no por eso, no por haber sido acreditados, pienso ser menos crítico, así pués, señores organizadores del evento y señores políticos del Ayuntamiento de Santander , tápense los oídos o mejor dicho cierren los ojos, cambien de página o apaguen el ordenador. Y tú que no perteneces a esos gremios sigue leyendo si gustas.

Esta bien, no es mala la idea de los conciertos de artistas tan reconocidos como Sabina o Bosé, entre otros. Esta bien, que ayer en el concierto de “La Oreja…” hayan acudido a La Campa de la Magdalena unas 25.000 personas. Esta bien que se vea ese ambiente de fiesta por la ciudad, caracterizada siempre por ser una de las más frías con sus fiestas y su patrón, Santiago (Agárrate que también tenemos patrona, La Virgen de Mar, si es que no nos falta de nada) Si todo eso esta muy bien, yo no digo lo contrario. Pero también digo que cuando Bilbao celebra sus fiestas (en seguida, por cierto) tan bien van artistas de la altura de los que vienen aquí pero… ¿Sabes cuál es la diferencia? pues muy sencilla y notables: en Bilbao es GRATIS (sí, sí, en mayúsculas)

Por otro lado, es muy difícil ser Capital Europea de la Cultura en 2016 cuando para lo más interesante que hay en la ciudad a nivel cultural, que es ArteSantander, para entrar hay, de nuevo, que pasar por caja. Créanme es muy difícil alcanzar ese bonito sueño para agarrarlo con la palma de la mano y hacerlo realidad. Quiero decir, con esto y siempre desde mi más humilde opinión, que La Capitalidad Europea de la Cultura para 2016 no se consigue repartiendo los barrios como si fueran países de la UE, que La Capitalidad Europea de la Cultura para 2016 no se logra haciendo festejos infantiles como se han realizado solamente, que La Capitalidad Europea de la Cultura para 2016 no se alcanza nada más que teniendo playas bonitas y la quinta bahía más bella del mundo. Me da la impresión que las cosas importantes, como creo que es la idea de 2016, se ganan con hechos importante y si habéis seguido la lectura sabréis a lo que me refiero. Así que, queridos cargos de Santander, mi nota es como la que te ponían en el “cole”, NM: Necesita Mejorar.

Dicho lo cuál, autoridades, destápense lo ojos, enciendan el ordenador y no tengan reprimendas en próximos actos acreditativos para, repito, esta santa casa que es Cosas Que Contar. Espero sean respetuosos, no compartan mi idea (si no quieren) pero déjenme ser libre de opinar y piensen que no todo va a ser una “caminito” de rosas.

PD: ¡Que siga la fiesta!

Tal y como os prometimos hace unos días, estamos cubriendo el festival musical Amstel Música en Grande (en adelante AMG) que se está celebrando con motivo de la Semana Grande de Santander y que tiene lugar en La Campa de La Magdalena. Como ya conté en su momento, esta serie de conciertos nos traerá artistas de primera línea como Joaquín Sabina o Miguel Bosé. Ya se han celebrado los dos primeros conciertos y, para llevar un orden correcto, comenzaré por el primero de ellos, celebrado el pasado 26 de julio.

Antes de ponerme a hablar del concierto en sí, hablaré de la organización el evento. Este concierto ha sido uno de los dos a los que se podía asistir gratuitamente si habías conseguido una de las invitaciones que Heladerías Regma había repartido días atrás. Por esta razón, el mogollón de gente estaba asegurado. Y así fue. Las taquillas estaban desiertas y la cola de entrada al recinto superaba los 100 metros de largo, por lo que la gran mayoría de los asistentes ya disponían de su entrada o invitación.

La apertura de puertas se está llevando a cabo una hora antes del inicio previsto del concierto, es decir, a las 21horas. Margen, a mi juicio, algo limitado vista la cantidad de gente que se presentó este día.

Nosotros nos acercamos a la puesta de La Campa a eso de las 21:15 para recoger las acreditaciones, evitarnos la cola e ir estudiando la zona destinada al público. A primera vista nos sorprendieron dos cosas. Por un lado la multitud de publicidad que se estaba emitiendo continuamente mediante megafonía y pantallas gigantes (habiendo invitaciones es lógico pensar que se paga mediante publicidad); y, por el otro, las molestias que se había tomado Protección Civil para informar a la gente de las medidas de seguridad desplegadas en la zona. Esto último nos sorprendió ya que se habían diseñado recreaciones en 3 dimensiones de la utilización de las salidas de emergencia. Algo que en Santander, nunca había visto.

El pañuelo azul como elemento predominante

Ahora voy a contar algo que no va a gustar nada a los cientos que estuvieron el día del chupinazo en la caseta del Gobierno de Cantabria esperando horas para conseguir los pañuelos de las fiestas: en la entrada de público general se regalaban de esos pañuelos por lo que el colorido azul de la gente era considerable. Además del pañuelo, la organización regaló galletitas Tuc.

Vamos ahora con la música. Para este día estaban previstas 3 actuaciones. Por un lado, y para amenizar un poco la noche, Tony Aguilar (Los 40 Principales). Como telonero Robert Ramírez. Y como artista principal: Kate Ryan.

Tengo que confesar que Tony Aguilar no me gusta demasiado (o nada) por lo que sus dos apariciones (una al inicio y otra entre telonero y artista principal) no me gustaron. Este hombre, que se antepone la coletilla DJ cuando actúa, se limitó a poner CD’s de Remixes de distinta índole. Tanto pop, como rock o dance. Algo que dista de lo que comunmente conocemos como DJ: ese señor con cascos grandes y un par de vinilos con aires “alternativillos“. No. Simplemente puso algo de música e hizo de Maestro de Ceremonias. (Se nota que no me gustó, ¿verdad?).

Pasadas las 22:30 le llegó el turno a Robert Ramírez. Artista invitado, que aún carece de disco de estudio, nos deleitó con 3 canciones (una de ellas repetida en versión Remix). El primer tema fue “Sick of Love”, tema principal del programa de TV El Club del Chiste, y por el que es conocido actualmente el cantante. Seguidamente nos presentó un nuevo tema que estará, nos cuenta, en su futuro disco. Para finalizar, y como ya he comentado, cantó un Remix de “Sick of Love” tras el cual, Tony Aguilar volvió al escenario.

Tras la segunda aparición de Aguilar toca lo de siempre: esperar. ¿Esperar a qué? me pregunto yo. Kate Ryan no había perdido el avión ni había tenido un atasco ni nada parecido pues ese mismo día, a las 17h, había dado una rueda de prensa en el Hotel Santemar (a apenas 10 minutos andando del lugar del concierto). Tuvimos que esperar. Y un buen rato.

Finalmente y a eso de las 23:30, aparece Kate Ryan con un atuendo característico de este tipo de artistas internacionales, no muy extravagante aunque se le olvidó la falda o el pantalón. Con la aparición de Ryan, llega el trabajo duro: hacer miles de fotos durante los 5 minutos que nos permiten estar en la fila 0 (con los demás artistas no había esta limitación). Trabajo que se convirtió en aún más duro gracias a la pésima organización y coordinación llevaba a cabo con el público con pase VIP. Los asistentes con este pase, tienen acceso al foso de prensa, ese que he llamado fila 0 y que se sitúa entre la primera fila del público y el escenario. Al tener acceso a esa zona, nosotros, los acreditados, nos vemos limitados para desarrollar nuestras funciones y nos encontramos que no tenemos espacio. ¡Es como estar entre el público! En fin. Menos mal que esto se ha solucionado ayer, en el segundo concierto, dejándonos mucho más espacio y estando controlada toda esta gente.

Conclusión: me encontré lo que me esperaba, mucha gente gracias al bajo precio y las invitaciones; y nada que hubiera que destacar considerablemente. Un concierto normalito y sin elementos espectaculares. Aceptable para la inauguración del AMG.

Os dejo unas cuantas fotos más aquí abajo y nos vemos en el siguiente artículo

La mayoría de las veces, cuando hablamos con alguien sobre las costumbres de otros países todo acaba en la frase “¡Mira que son raros!”. Lo que seguro que no nos paramos a pensar es que para ellos los raros somos nosotros.

Un lugar extraño es un programa de Telemadrid (aunque otras autonómicas también tienen su versión) que descubrí por casualidad en el intermedio de Cifras y Letras. Su objetivo es simple: reunir a un grupo de inmigrantes de diferentes países y hacerles preguntas sobre las costumbres españolas, en clave de humor pero sumamente interesante. A lo mejor nuestros lectores madrileños o vascos ya conocen este programa bastante bien, pero a  los que no disfrutan de televisión autonómica de calidad (o ni siquiera la tenemos, como los cántabros) seguro que les resulta novedoso.

Os dejo con los capitulos sobre el trabajo, el fútbol (ETB) y la comida (este último en 4 trozos, es lo que tiene youtube).

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]]> http://www.cosasquecontar.com/2010/07/un-lugar-extrano/feed/ 1 http://www.cosasquecontar.com/2010/07/personajes-de-pelicula-iii-ben-willis/ http://www.cosasquecontar.com/2010/07/personajes-de-pelicula-iii-ben-willis/#comments Mon, 19 Jul 2010 18:49:47 +0000 JMVT http://www.cosasquecontar.com/?p=3452

Hay pequeñas buenas películas escondidas por el mundo del celuloide. Películas para nada comerciales que pasan sin pena ni gloria por las salas de cine, y que a veces da la casualidad de que se alinean los planetas y terminamos por descubrirlas.

Para mí Cashback es una de esas películas.

Cashback nació en 2004 como un corto de Sean Ellis de 18 minutos de duración. En él, Ben Willis empieza a trabajar en el turno de noche de una cadena inglesa de supermercados, y para que el tiempo fluya más rápido, imagina que puede congelarlo súbitamente.

Sean Ellis ganó el premio a la mejor dirección en cuatro o cinco festivales e incluso llegó a estar nominado a la sección de cortos de los Oscar de 2005, por lo que al menos algo de trascendencia logró conseguir gracias a él. Así pues, en 2006 decidió expander la idea del guión de Cashback y lo transformó en un largometraje hecho y derecho.

Ben Willis, interpretado por Sean Biggerstaff, que os sonará por hacer de Oliver Wood en las películas de Harry Potter, es un estudiante de arte que al comenzar la película vemos cómo rompe con Suzy, su novia de los últimos años. Debido a ello, Ben se inmunizará contra el sueño (vamos, que caerá en un insomnio recalcitrante). Pasará las noches tirado en la cama de la residencia de estudiantes viendo cómo pasa cada hora y cada minuto en el reloj de su mesilla de noche.

Cansado de estar perdiendo todas las horas de cada noche de cada día, decide invertirlas comenzando a trabajar en el turno de noche de Sainsbury’s, una cadena de supermercados británicos, a cambio de un sueldo (un cashback, de hecho).

Trabajando en el supermercado, conocerá a una panda de pintorescos personajes que también trabajan allí, desde el resto de sus compañeros reponedores hasta el histriónico jefe de la tienda.

Pero para Ben las noches se siguen haciendo eternas, así que desarrolla un método para que el tiempo pase más rápido: lo detiene y deja fluir la inspiración en sus cuadernos de bocetos.

La historia de Cashback es una de esas historias que puede que no sorprendan por originales. Querer observar la belleza de lo cotidiano y plasmarla en arte ya se ha visto anteriormente (American Beauty sin ir más lejos), pero la manera de contarlo todo es, cuanto menos, agradable.

El único pero que le encuentro a la película son leves concesiones (apenas dos o tres) al humor juvenil que a mi parecer no le hacen falta a la película para echar a volar por sí misma pero que tampoco la desvirtúan en absoluto.

Mención especial a la música instrumental e intimista de Guy Farley que le da otra capa más de encanto a la película, imposible (al menos yo no lo he conseguido) de encontrar en CD, a pesar de que existe una banda sonora de la película con la recopilación de canciones que va sonando a lo largo del metraje.

Banda sonora gracias a la cual descubrí algunas buenas canciones. Os dejo con dos de ellas.

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Röyksopp – What else is there?

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Grand Avenue – She

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Ahh, las modas y los memes interneteros. Qué sería nuestra vida digital sin ellos, desde los estúpidos juegos online que hacen perder horas y horas de vida como SecondLife o FarmVille, hasta la última red social de moda, sin olvidar los ya famosos memes que aparecen con la misma rapidez con la que desaparecen.

Dónde quedarán ya los hamsters bailones, el chico haciendo de jedi con el palo de una fregona, el panda que se asusta por un estornudo, el dramatic chipmunk o incluso el trololó.

Una de las últimas modas interneteras que como vino se fue, fue ChatRoulette, y he de decir que, al igual que el resto de las modas interneteras, esta la descubrí meses más tarde.

El concepto de ChatRoulette era tan sencillo que sorprendía. Fue creado allá por finales de 2009 por un estudiante ruso de 17 años, Andrey Ternovskiy, que, hasta donde sé, fue la primera persona a la que se le ocurrió conectar las webcams de dos usuarios al azar de todo el mundo usando la tecnología P2P. Y cuando se dio a conocer por el boca a boca, el resultado fue pasar de tener quinientas visitas al mes a tener más de un millón.

Vigalondo y Berto también sucumbieron a ChatRoulette

No sé cómo sería ChatRoulette en sus albores. Supongo que habría mucha gente entrando por la curiosidad del asunto y poder ver a una persona cualesquiera, y en caso de no gustarte lo que ves, darle al botón de Siguiente. Prueba de ello son los vídeos (que también fueron tremendamente famosos en su día) de Merton, el hombrecillo que improvisaba canciones al piano cantando lo que veía en las cámaras a las que le iban conectando al azar.

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Fuera como fuese en aquellos tiempos, ahora la cosa se reduce básicamente a tíos con la picha fuera pelándosela para reclamar la atención de alguna bella dama (o damo) que sucumba a sus encantos. Es un poco triste porque el concepto prometía, pero bueno, que el sexo ocupa todo con sus tentáculos tampoco es algo que nos pille por sorpresa.

El caso es que he estado un par de días entrando a lo estudio sociológico para ver si realmente había gente que mereciera la pena ver en dicha red y creo que las cifras totales, descontando los bots de publicidad que salen cada dos por tres, pueden reducirse a:

· 6 de cada 10 personas son tíos pelándosela

· 3 de cada 10 personas son gente normal y corriente que va pasando y pasando de lo que ve hasta que encuentra algo decente para la vista. Sí, sí. Los tíos buscan chicas guapas y viceversa, solo que en esta modalidad no hay nadie metiéndose mano.

· 1 de cada 10 personas es alguien que se pone delante de la cámara a hacer el gamba o a ofrecer cualquier otra cosa que no ofrezcan los nueve anteriores y así llamar la atención para que el interlocutor no le dé al botón de Siguiente.

Así que llegados a este punto del post, de estos 1 de cada 10 extravagantes que me han llamado la atención dejo unas cuantas capturas que me he ido adueñando a base de Impr Pants, despidiendo así mi post más idiota desde que llevo escribiendo aquí.

Pijos. Idiotas. Tocahuevos. Gente sin personalidad. Fanboys. La lista de adjetivos con los que nos califican últimamente a los usuarios de cualquier producto de la compañía de la manzana se amplia lenta pero inexorablemente.

Desde el anuncio del nuevo iPhone 4, y auspiciado por los comentarios que suelo leer en páginas de noticias, últimamente no sé si pedir perdón por tener un iPhone y un Macbook, o si por el contrario directamente me debería prender fuego al estilo bonzo y librar así al mundo de un maquero de pacotilla.

Los maqueros somos vistos un poco como una especie de religión, con el dios Steve Jobs a la cabeza, imagino que por la imagen que a veces podemos llegar a dar en alguna discusión comentando las bondades de los dispositivos de Apple.

Imagino que es por eso, porque yo mismo lo he vivido hablando con gente que no ha tocado un Mac en su vida y que se dedicaba a criticar el tema como quien habla de la consistencia de la miga del pan. Llámalo “defender lo tuyo”, pero a mi me toca las narices que me tengan por un tonto de baba por tener un portátil con una manzana en la tapa en base a leyendas y comentarios auspiciados por la famosa máxima de Goebbels de la mentira repetida cien veces.

La discusión de aquel día que comento se centraba más o menos en lo que se viene diciendo siempre, que los macs son muy caros y por lo tanto son para pijos, que la batería no les dura nada, que el PC de la tienda de al lado tiene ocho gigas de RAM y el Mac sólo lleva dos, y que los que tenemos uno solamente los compramos porque lleva el dibujo de una manzana.

A mí no me iba la vida en convencer al tipo de que se comprara un ordenador de Apple porque de momento no voy a comisión con Jobs, pero debe ser que “evangelizar” es para algunas personas difícilmente diferenciable de “puntualizar”. Porque sí, un portátil de Apple es caro, pero no mucho más que un Samsung o un Vaio de similares prestaciones. Porque mi portátil que yo sepa puede llegar a estar encendido cinco horas del tirón. O porque a pesar de que el PC de la tienda de al lado tenga seis gigas más de RAM que el mío, sé que el mío me va a responder con una eficacia mayor al estar optimizado para una configuración cerrada de hardware.

Pero claro, es decir eso y la gente se piensa que tienes un puesto de gerente en la Apple Store de la Quinta Avenida. Estar equivocados no es computable, a pesar de que los únicos conocimientos sobre Apple que tengan estén patrocinados por los comentarios de la gente en Menéame o en el 20minutos, y no por haber tenido algo de la compañía entre sus manos.

Menciono estos dos sitios en concreto porque a pesar de que la gente que los visita son de distinto target, los comentarios que se vierten en ambos sitios más o menos son los mismos. Mientras que el 20minutos es un periódico generalista que es famoso supuestamente por la gente de bajo perfil que lo visita, Menéame es simplemente un sitio de noticias de otros medios que se clasifican en portada dependiendo de los votos que les vayan otorgando los visitantes, en este caso, y en principio, de un perfil mayor que los de 20minutos.

Así pues, entrando en la noticia de ayer de 20minutos en la que se habla de la rueda de prensa que ha hecho Steve Jobs para explicar los problemas de la antena del nuevo iPhone, uno se puede encontrar con comentarios de todo tipo, porque total, escribir es gratis.

“Mientras traiga la manzana mordida a los borregos les da igual si funciona bien o no.”

“A Apple hay que reconocerle el mérito y la capacidad narcótica que tiene su marketing para vender una mierda con etiqueta de manzana. Lo curioso es que el mérito es proporcional a los gilipollas que se dejan embaucar sólo porque lleve una manzana podrida en la etiqueta del producto. Que patéticos me parecéis los de la secta.”

“¿Envidia de Apple? ¿Envidia de un hardware que es exactamente idéntico al de un PC, solo que 5 veces más caro? ¿Envidia de tener que pasar por caja si o si para actualizar el hardware con lo que ellos te digan y al precio que ellos vendan?”

Volvemos al “borregos que compran sólo porque lleva una manzana dibujada” y al “ésta gente es una secta”. Sin olvidar al último comentario, perfecto ejemplo de alguien que no ha tenido un Mac en su vida, principalmente porque yo mismo he comprado RAM en una web cualesquiera para ponérsela al portátil (que por cierto no me costó 600€ de media de un PC x 5 = 3.000€).

Luego está Menéame, que en principio es un sitio donde la gente que escribe está más familiarizada con el mundo informático y con las nuevas tecnologías. Lo sangrante es que al ser una comunidad con bastantes usuarios simpatizantes del software libre, es más probable que leas en portada que la Ubuntu 9.04 con EXT4 arranca en 21,4 segundos, a leer que Apple ha presentado su nuevo sistema operativo para móviles (de hecho no llegó a portada).

Es por ello por lo que, en principio,  el nivel de calidad de los comentarios debería de ir in crescendo; pero los comentarios en, por ejemplo, la mencionada noticia de presentación del iPhone 4, versaban paralelamente a los del 20minutos:

“Un dia venderan un trozo de carton con la manzanita por 500€ y la gente lo comprara…”

“Corred a que os claven un cuchillo en la cartera, la visa y el plan de pensiones… BORREGOS!”

“VideoChat, grabación de video a 720, un microfono posterior para eliminar el ruido … ¿De que me suena eso? Ahh si, es lo que tiene el HTC Evo y otros Android desde hace meses. Que va ser lo siguiente? iPhone 5 con SMS y radio?”

Quería dejar en último lugar este comentario en concreto, porque sí es cierto que la gente en Menéame da un paso más allá del “sois unos borregos”, y se centra en la batalla Android/Software Libre vs iPhone, por lo que cualquier noticia sobre Apple se llenará de usuarios de Android o Linux poniendo a parir la noticia y llamando fanboys de Apple a cualquiera que comulgue con el asunto, llegando a veces al paroxismo:

“Mi predicción es que dado que conozco muchas más personas con móviles Android que con Iphones, el Iphone será un mercado marginal dentro de unos años.”

Por suerte hay gente que se lo toma con humor (o resignación):

“UFF menos mal que han venido los usuarios de Android para abrirnos los ojos a los tontos usuarios de apple. Mañana tiro mi iphone a la basura.”

Sí, amigos de Android. No hace falta que vengáis a intentar (esta vez sí) evangelizar a la gente, porque en este caso nadie está diciendo algo que merezca ser rebatido, limitándose la cosa a un “vuestro sistema es una mierda, está cerrado y capado, y con mi HTC puedo ver páginas en Flash mientras lo tengo metido en el recto”, porque entonces la cosa ya se convierte en un Madrid-Barça, un XBOX360-PS3 o un PSOE-PP cualesquiera, y aun así los considerados sectarios esparcidores de la palabra de Dios seguiremos siendo nosotros.

Conocemos las limitaciones que tiene nuestro teléfono. Sabemos que no podemos mandar fotos o canciones por Bluetooth a un Nokia o a una Blackberry. Sabemos que tenemos que usar iTunes para gestionarlo. E incluso sabemos que dentro de un año y medio sacarán un modelo mejor que criticaréis al minuto de ser anunciado porque no podrá usarse bajo una ducha de lluvia radioactiva, pero desde aquí hago un llamamiento para que dejéis que hagamos con nuestro dinero lo que queramos, porque de momento nadie nos ha venido a punta de pistola a obligarnos a comprar un dispositivo de Apple cualesquiera.

Aunque no os lo creáis, somos personas humanas. Tenemos cerebro y sentido de la autocrítica (la mayoría; idiotas hay en todas partes). Podemos y sabemos diferenciar entre una piedra y Al Khazneh. No vamos a preferir la piedra sólo porque tenga dibujada una manzana, por mucha gracia que os haga repetir el discurso absurdo constantemente. Y tampoco nos gusta leer día sí y día también que debemos tener algún tipo de tara mental por habernos comprado algún producto de la empresa de Cupertino.

No queremos saber nada de Nexus Ones, HTC’s Desire, Evo, Touch o Magic. Ni de Android, MeeGo, Froyo, Linux ni de sus madres de Alcobendas. No hace falta que vengáis a abrirnos los ojos ni tampoco a que nos mostréis la luz y ver lo equivocados que estuvimos todo este tiempo y lo tremendamente en lo cierto que estabais vosotros. Son cosas distintas. Ofrecen cosas distintas. El día que me interese lo que me ofrezcan esas plataformas, me compraré un dispositivo de esas características.

Hasta entonces, dejadnos con nuestros iPods, nuestros iPhones y el resto de nuestras iCosas, que nosotros seguiremos como hasta ahora. Intentando disfrutar de ellas en vez de amargarnos despotricando en las noticias de la competencia y poniendo a parir a todo aquel cuyo nuevo gadget no tenga la fruta mordida en la retaguardia.

Gracias.

Sí, sí. Ya sé que está muy visto hacer el típico top X de algo, pero estamos en pleno verano y hay veces que las neuronas no dan para mucho más, y como la llegada del iPhone 4 a España está a la vuelta de la esquina, aprovecharemos la coyuntura para hacer un pequeño repaso a las aplicaciones del iPhone a las que más cariño le tengo, ya sea por usarlas diariamente o porque te saquen de un apuro en el momento menos esperado.

Allá vamos…

Si para algo sirvió la llegada del iPhone allá por 2007 fue para expandir la inmediatez de las redes sociales. Era raro ver ofertas por tarifas planas en el internet móvil antes del teléfono de Apple, y la gente, como es obvio, no estaba demasiado por la labor de pagar una millonada por cada kilobyte consumido, por lo que las redes sociales experimentaron un auge considerable a partir de entonces, y en el iPhone tenemos aplicaciones para gestionarlas para dar y tomar.

· Echofon: tengo que reconocer que era de los que pensaba que twitter era una de las tonterías más infumables que nos había ofrecido internet en los últimos años. Al principio es normal pensar lo de “¿y para qué quiero saber yo cuándo va fulanito a cagar?”, pero una vez entras un poco en el mundillo, no es complicado encontrar a gente que tiene cosas interesantes que decir y que ofrecer.

Tras probar algunas de las (muchas) aplicaciones que ofrece la AppStore para gestionar nuestras cuentas de twitter, acabé con Echofon por la simplicidad de la interfaz de usuario y por la facilidad de uso, en detrimento de Twiterrific, al que desterré felizmente después de usar el que nos ocupa. Y es que Echofon tiene prácticamente todas las funcionalidades que puede ofrecernos twitter. Un timeline limpio y sencillo, un apartado de menciones en el que vemos dónde nos nombran, otro apartado para ver nuestros mensajes personales, la sección de listas en el caso de que tengamos alguna hecha, búsquedas, trending topics… incluso podremos encontrar tweets por geolocalización entrando en los mapas de la aplicación traídos de la mano de Google Maps.

Echofon tiene una versión gratuita con una pequeña barra de publicidad, o la misma versión sin publicidad por 3.99€, aunque si tampoco os convence este, siempre nos quedará la aplicación oficial de Twitter, la antigua Tweetie que costaba 2.39€ y que pasó a ser gratuita después de ser comprada por la red social.

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· Remote: vale, esta aplicación es ideal para nosotros los vagos. Si estás escuchando música en tu biblioteca de iTunes y no tienes el ordenador a mano, con Remote puedes enlazar el iPhone con tu biblioteca para cambiar de canción, de disco, subir o bajar el volumen o simplemente parar la música que suena, todo desde el mismo teléfono.

Funciona usando la wifi de casa o del lugar en el que estés, así que incluso puedes darle algún susto desde el cuarto de baño a alguien que esté en el salón, poniéndole y quitándole la música a placer.

Remote es gratuita y está desarrollada por la propia Apple.

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· SoundHound: ¿cuántas veces estamos escuchando una canción de la que no recordamos el título y luego se nos incrusta en el lóbulo frontal del cerebro? ¿Un millón? ¿Dos? Amig@, esos días han llegado a su fin, porque con SoundHound (anteriormente conocido como Midomi) no tendrás más veces ese problema.

SoundHound es un software de reconocimiento musical. Basta con empezar a grabar y poner el altavoz a captar el sonido ambiente para que unos segundos después reconozca la canción que está sonando y nos diga cómo se llama, quién la compuso, la letra de la canción, su videoclip en caso de estar disponible y dónde puedes comprarla, con enlaces a iTunes, entre otras tiendas.

Aún recuerdo una comida en Foster’s Hollywood en la que mi primo empezó a tararear (sí amigos, también reconoce tarareamientos) la canción de Bola de Dragón de “vooolando, vooolando, siempre arribaaa” y reconoció hasta la edición original japonesa de la canción. O en el último concierto de Muse en Madrid, donde a pesar de todo el griterío y el ruido ambiente, pudo reconocerme algunas de las canciones del hilo musical anteriores al concierto.

Parece el futuro pero no, ya está aquí, y al igual que Echofon, SoundHound tiene dos versiones, una gratuita con límite de escuchas al mes, y otra ilimitada por 3.99€.

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· AroundMe: pongámonos en situación. Estamos en una ciudad que no conocemos y necesitamos encontrar un cajero donde sacar dinero. ¿Para qué le vamos a preguntar a alguien cuando podemos sacar nuestro móvil y abrir AroundMe?

Simplemente nos localizará con nuestra posición de GPS y nos situará en el mapa los cajeros que tengamos más cerca, cada uno con su descripción. Y si nos pilla un poco lejos, incluso podremos hacer que nos calcule la ruta desde el lugar en el que estamos.

Por supuesto, quien dice cajeros, también dice aparcamientos, bares, cafés, cines, farmacias, gasolineras, hoteles, restaurantes, supermercados o teatros.

Una aplicación parecida a AroundMe también es 11870, la versión móvil de la famosa web, aunque está más enfocada al ocio que a los servicios, y en la cual podremos encontrar restaurantes, galerías de arte, tiendas de todo tipo, gimnasios, cines, salas de conciertos, y un largo etcétera.

Ambas son gratuitas, así que no hay ninguna excusa para satisfacer alguna necesidad o conocer sitios nuevos allá donde estemos.

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· Kiosko.net: una amiga me descubrió hace un tiempo la web de kiosko.net, donde podemos ver las portadas de cada día de cientos de periódicos de todo el mundo. A tiro de piedra podemos estar informados de las últimas noticias de la prensa “analógica”. En la aplicación de Kiosko.net podemos consultarlas todas de forma rápida y sencilla. La única pega es que cuesta 2.99€, aunque siempre podemos optar por visitar directamente la web desde el navegador u optar por soluciones gratuitas como Portadas, aunque ésta se limita únicamente a la prensa nacional.

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Si la llegada del iPhone expandió a todas partes el uso de las redes sociales, hay otro apartado que no se queda atrás en este sentido. Puede que la cámara del teléfono de Apple (hasta el iPhone 3GS) no sea la mejor del mercado, pero hay una cantidad enorme de aplicaciones que suplen esta carencia pudiendo retocar nuestras fotos o dándoles un cálido y añorado toque analógico. Una buena señal de ello es que el propio iPhone es la cámara más usada para hacer fotos en la red social flickr, por encima todo tipo de cámaras reflex o compactas.

Algunas de las aplicaciones que más uso para hacer o retocar fotografías son estas:

· ShakeItPhoto: aplicaciones que simulen el efecto Polaroid hay decenas en la AppStore, pero de todas las que he probado me quedo con esta. Sencilla de utilizar, podemos aplicarle el efecto a una fotografía de nuestra galería que ya tengamos hecha o hacer una directamente desde la aplicación. Incluso en las opciones podremos optar por un revelado rápido o por uno en el que tengamos que agitar el teléfono como teníamos que hacer antiguamente con la película de fotografía polaroidiana. Cuesta 0.79€ y sí, hay opciones gratuitas como Polarize, pero a mí es que me gusta esta.

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· Hipstamatic: si eres un aficionado a la fotografía analógica seguro que Hipstamatic te llama la atención. Podremos cambiarle a nuestra cámara el objetivo, el tipo de película e incluso el tipo de flash y combinarlos entre sí para lograr el efecto que más nos guste. La única pega podría ser el precio, que es de 1.59€ la aplicación con el pack inicial de lentes/flashes/películas, y 0.79€ cada uno de los cuatro packs con nuevos objetos y modelos de accesorios.

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· Lo-Mob/Plastic Bullet: si lo que nos gusta es dotar a nuestras fotografías con efectos de todo tipo sin preocuparnos de configuraciones personalizadas como las de Hipstamatic, estas dos aplicaciones son las que necesitas. Con Lo-Mob y Plastic Bullet simplemente tenemos que seleccionar una foto que tengamos hecha o hacer una con la propia aplicación y seleccionar alguno de los filtros que ofrecen. La diferencia entre ambas radica en que mientras que en Lo-Mob podremos elegir un filtro en concreto de una larga lista, en Plastic Bullet reina el azar, y simplemente con recargar la pantalla podremos ver los efectos aleatorios que se van aplicando a nuestra fotografía. Ambas aplicaciones cuestan 1.59€.

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· Photoshop/Photo Utility: no sólo de aplicar efectos viven las aplicaciones de fotografía para el iPhone. Photoshop Mobile y Photo Utility son las apps que uso cuando necesito subirle el brillo o el contraste a alguna foto, o si simplemente necesito recortarlas o rotarlas hacia algún lado. Cosas sencillas que no ofrece de serie la cámara del teléfono y que siempre podríamos necesitar en algún momento. ¿Lo bueno? Tanto Photoshop como Photo Utility son gratuitas.

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Lejanos quedan aquellos tiempos en los que los amigos hacían cola para jugar con el juego de la serpiente del Nokia 3210, y no ha pasado tanto tiempo desde que los juegos para los móviles daban más pena que otra cosa. Gracias a la tecnología hoy en día podemos disfrutar en nuestros teléfonos de verdaderos videojuegos dignos de cualquier videoconsola portátil. Los ratos muertos que se pasan en el tren o en el cuarto de baño nunca fueron tan entretenidos.

· DoodleJump: si de algo está llena la AppStore es de juegos casual con los que simplemente podamos pasar un par de aburridos minutos que tengamos por delante. En Doodle Jump no tenemos que salvar el mundo de ningún enemigo malvado ni nada por el estilo. Simplemente somos un pequeño bicho que va saltando sin parar cuya dirección deberemos controlar moviendo el teléfono hacia los lados gracias al acelerómetro interno. Cada vez irán apareciendo menos plataformas, por lo que nuestros saltos y movimientos tendrán que ser más precisos, sin olvidarnos de los bichos malos que irán apareciendo y que entorpecerán nuestro camino.

Lo bueno de Doodle Jump es que se actualiza con bastante frecuencia, y nos van regalando más pantallas y diseños de personajes cada poco tiempo (el último con motivo del mundial de fútbol). Merece la pena porque engancha como pocos, y es que intentaremos superar nuestro antiguo récord en el instante en el que terminemos cada partida. Y es barato. Tan sólo 0.79€.

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· Tilt to Live: este me lo llevé por la cara aprovechando su oferta de lanzamiento. No sabía nada sobre él y me lo bajé casi por bajar y probar alguna cosilla nueva, pero tengo que decir que es uno de los juegos casual a los que más me he viciado en los últimos tiempos. Y no tiene mucho misterio. Simplemente controlamos moviendo el teléfono a un ente en forma de flecha al que deberemos mantener a salvo de las hordas de bolitas rojas que van a por nosotros. Y aunque en un principio estamos indefensos, podremos ir adquiriendo power-ups con el que poder hacerles frente de las formas más variopintas, ya sea por electrocución o con la ayuda de agujeros negros.

Otro juego que engancha enormemente y con el que también intentaremos batir todos nuestros récords anteriores, y es que a diferencia de Doodle Jump también tiene trofeos que podemos ir desbloqueando y algún que otro modo de juego más. Ahora mismo cuesta 1.59€, aunque suele andar de oferta a 0.79€ de vez en cuando, e incluso gratis en alguno de los FreeAppDays.

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· Piyo Blocks 2: otro más para pasar un pequeño rato que siempre se acaba alargando más de lo necesario. Piyo Blocks es otro de los muchos sucedáneos de Bejeweled pero que a mi particularmente me gusta más por su estilo y sus variados modos de juego. Desde el modo normal en el que tendremos que ir juntando como mínimo tres piezas de cada color, hasta el time attack o el modo en el que tendremos un límite de tres segundos para hacer cada movimiento.

Ahora cuesta 0.79€ por su oferta de lanzamiento, aunque supongo que el precio subirá hasta los 1.99€ una vez pasada la oferta. Su primera parte cuesta 1.59€, aunque también tiene una versión Lite reducida y gratuita. Hay donde elegir.

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· Bloom: a Bloom quiero hacerle una mención especial, porque no es propiamente un juego. Es simplemente una experiencia sonora con la que nos podremos sentir Brian Eno durante un rato. Con un sonido ambiental predefinido, podremos ir añadiendo notas que se irán repitiendo paulatinamente solapándose unas con otras, creando cosillas dignas de cualquier disco ambient o new age. Ahora mismo cuesta 2.99€, quizá algo caro para lo que ofrece, pero si te gusta este tipo de música sin duda lo vas a disfrutar.

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