Después, y durante años, la tierra me tiró un poco y acabé siendo acérrimo seguidor del Real Madrid, sobre todo con aquella plantillaca de finales de los 90, con Roberto Carlos, Michel, Redondo, Laudrup o Zamorano, para que luego de un año o dos después de la llegada de Florentino Pérez, mis lazos sentimentales con el club y con el fútbol en general quedaron rotos del todo. Aquella basura no me iba. Hasta el año pasado, que entre el maravilloso juego del Barcelona y la vuelta de Floren, acabaron por hacerme picar de nuevo el gusanillo futbolístico.

Buscando en el baúl de los recuerdos, úuh

La diferencia es que hace quince años, por falta de cabeza, uno no se planteaba ciertas cosas que sí se plantea hoy en día con algo más de perspectiva.

Si tuviera que advertir un cambio inmediato entre ambas épocas, tendría que mencionar a la prensa en primera lugar. Guardo aún Marca’s y pósters de la Liga de Capello o la Champions de Heynckes, y el nivel de talibanismo era, creo, menor que el de ahora.

Me apena mucho ver que la línea editorial actual es más cercana al ‘Aquí hay tomate’ que al periodismo deportivo serio. Hablo, y me centro, en los dos periódicos deportivos más vendidos, el AS y el Marca. No me voy a parar a hablar del Sport y de El Mundo Deportivo principalmente porque son dos periódicos catalanes, así que es de esperar que su contenido se centre y esté condicionado por los equipos catalanes.

Veo normal entonces que en el Sport, un periódico catalán, se le dediquen 10 páginas a los asuntos del día a día del Barcelona; pero que un medio nacional monopolice el periódico con el Real Madrid me parece excesivo. Sí, el Real Madrid es el equipo con más seguidores en España, pero tener a Cristiano Ronaldo en portada cuatro veces a la semana se me antoja innecesario a la par que masturbatorio. En un periódico nacional, el Madrid es el equipo de los Españoles de Bien. Apenas hay sitio para el resto. No hay más centralismo en el periodismo nacional porque no está Sarkozy al cargo del cotarro.

Típica portada de martes

Igualmente, la objetividad pasa por malos momentos estos días.

Que en AS no esperen a que termine un partido del Madrid para colocar en la portada de su web una noticia sobre alguna falta que les hayan hecho y no hayan pitado, viene siendo lo normal, como lo viene siendo crear una noticia de una falta no pitada al Barça. Pero que pase como este fin de semana, que olvidaron mencionar los dos penalties no pitados a Sergio Ramos y la noticia en mayúsculas en su lugar sea la (censurable, por otra parte) entrada a CR96, es otra de las cosas que claman al cielo.

La objetividad futbolística tiene múltiples caras

No existe, por desgracia, una prensa deportiva seria hoy en día. Nos debatimos entre portadas-esquela del Sport y noticias de gran calado como la que nos ofreció el Marca en portada hace tan solo unos días con la nevada en Barcelona (“lo que les faltaba, el Camp Nou amaneció ¡¡¡de blanco!!!”). Entre piques malsanos y Villaratos infumables.

Es una situación complicada. No sé si tirar la toalla por culpa de gente como Inda o Roncero, o por el contrario mantener cierto halo de esperanza por periodistas de la talla de Santiago Segurola, que nos ofrece con objetividad pasmante la actualidad deportiva en su blog o en sus charlas del diario Marca.

Episodio IV: Una nueva esperanza

Así que quién sabe cuánto hasta cuando aguantará esta nueva vena renovada de pasión por el fútbol. Intentaremos disfrutarla mientras dure. Y mientras tanto, nos uniremos al conocido grupo de Facebook por una prensa deportiva decente.

A lo Manifestación 2.0.

Nuestra historia comienza cuando un americano llamado Steven Schultz, músico ocasional, decide comprar algunos CDs aprovechando su estancia en Corea del Sur. Uno de ellos le llama poderosamente la atención. Es un disco de black metal, con una producción terriblemente lo-fi de andar por casa que le da una atmósfera a lo Burzum. Intrigado y sin más información que el nombre del grupo, Pyha (que en coreano significa “ruinas”), nuestro amigo Steven decide indagar más.

Cuál sería su sorpresa al descubrir que Pyha era, en realidad, el alias musical de un adolescente coreano que publicó ese disco de forma privada a la tierna edad de catorce años. Nada más volver a los Estados Unidos, Steven le pasa el disco a un amigo que, obviamente impresionado, piensa que el mundo debe conocer la obra de ese genio precoz del metal. El siguiente paso es localizarle, algo que consiguen gracias a otro amigo que estaba viviendo en Corea por aquella época, descubriendo, de paso, que el chaval tiene otros tres discos, publicados, todos ellos, antes de los dieciocho años…

Todo concluye cuando, en 2008, la discográfica tUMULt lanza de forma oficial, y para todo el mundo, ese CD debut de Pyha, con tres bonus tracks y con el título de “The Haunted House”.

Al leer por la red información sobre la peculiar historia de este disco, no pude evitar pensar en el malogrado Anton Maiden (del que pienso hablar en un futuro post, aunque muchos ya conoceréis su historia). Sin embargo, esto es harina de otro costal. No es una simple broma salida de madre.

Una vez escuchado el disco puedo afirmar que, si esto es, como se afirma, obra de un adolescente de doce a catorce años (según parece, aunque lo sacó a los catorce, le llevó un año y medio o dos grabarlo), estamos ante un posible futuro genio del black metal.

Obviamente, si no nos fijamos en el detalle de la edad (por internet he podido leer muchos comentarios que no tragan con eso del genio adolescente y creen que todo es una patraña para promocionar el disco), el disco no deja de ser un buen ejemplo de black metal atmosférico, con algunos pasajes realmente brillantes, pero no la obra maestra que se pretende vender.

Pero lo que cuenta en casos como éste es el potencial, y aquí lo hay a raudales. Seré un inocente, pero yo quiero creer que se trata realmente de la obra de un coreano adolescente. En el peor de los casos, si todo resulta ser un bluff publicitario, seguirá siendo un disco que merezca la pena escuchar al menos una vez para aquellos fans del metal más extremo y underground.

Aquí podéis escuchar mi canción favorita del disco, cuyo título inglés sería “After the Aliens” (en teoría es uno de los bonus tracks)

Son objetos con un claro valor histórico, pero por lo general encuentro más interesante el contenido, no el continente.

Dicho esto, y dentro de mi hijnorancia sobre el tema,  no hace mucho descubrí que la Royal Mail (el servicio postal del Reino Unido), al igual que el resto de oficinas postales de la mayoría de los países, saca de vez en cuando a la venta unas series especiales de sellos conmemorativos a disposición de todo el mundo. Así que después de bucear durante un rato en el archivo de algunas estas oficinas, os dejo los que más me han llamado la atención.

· Sellos conmemorativos de grandes discos (UK)

· The Beatles (UK)

· Juguetes antiguos (España)

· Portadas de libros de Sherlock Holmes (UK)

· Seres mitológicos (UK)

· Los Simpsons (USA)

· Grandes obras del expresionismo abstracto (USA)

· Día de Internet (España)

· Calvin & Hobbes (USA)

· El Principito (Francia)

· Personajes Disney (USA)

· Garfield (Mali)

· Star Wars (USA)

· Astérix (Francia)

· Torre AGBAR (España)

· Auroras boreales (USA)

· Videojuegos varios (Francia)

· Super Mario Bros (Japón)

· Superheroes de Marvel (USA)

Avalanch fue creado por el genio Alberto Rionda en el 93. Como suele ocurrir en esto de la música, los comienzos fueron duros. Tuvieron que pasar 4 años hasta que su primer disco, La llama eterna, viera la luz. Tuvo una acogida bastante buena, y grabaron una versión del disco en inglés que llegó a publicarse en Japón. Este es un disco bastante diferente a lo que Avalanch vendría haciendo a partir de aquí.

En 1999 se publica Llanto de un héroe, disco que les llevó a realizar una macrogira a nivel nacional. Ambientado en la época de la reconquista, el nivel letrístico aumenta considerablemente, empezando a ser Rionda reconocido por sus letras. La voz de Víctor García ayudó a impulsar esta obra maestra del power metal, y su éxito crecía cada día más.

Fue entonces cuando dieron el golpe definitivo. En 2001, con El Ángel Caído, el grupo alcanzó su techo (a nivel de afluencia y éxito, que no a nivel musical). Un disco bastante evocador, con un Victor García magistral, y unas letras de temática fascinante. Las Ruinas Del Edén, perteneciente a este disco, era la opción alternativa a la canción con historia de Avalanch. Un fascinante diálogo entre Dios y el hombre dividido en tres actos, que aunque no sea el tema del que hablamos, os lo dejaré por pura pleitesía.

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En un momento en que se generaba un montón de dinero y se giraba tanto por España y por el extranjero, las desavenencias entre Victor García y Rionda provocaron varias salidas del grupo, siendo la del cantante la más significativa. Es entonces cuando Rionda contacta con Ramón Lage, actual vocalista del grupo, encontrando una voz aún más maravillosa que la que tenía Víctor. Por desgracia, no todo el mundo es de la misma opinión que yo, y el número de fans de Avalanch descendió en picado desde entonces. Por suerte, transcurrido un poco de tiempo se aprende a valorar más la calidad que las disputas, y su número de seguidores está volviendo a aumentar.

Con Ramón Lage, el primer disco publicado es Los Poetas Han Muerto, disco que contiene la canción que nos ocupa. Lucero es el primer single del disco, y habla de los sentimientos que un ciego siente al enamorarse. Es de esas canciones que, sin prestarle atención o sin conocer muy bien su contexto, la letra puede parecer una más. Pero conociendo la idea a transmitir, de repente todo adquiere un cáriz diferente. Frases como “Pasará ante mí, como un sueño“, que se podrían encontrar en cualquier canción, adquieren una nueva dimensión sabiendo de lo que se habla.

Música y letras van unidas de la mano del concepto. Es común en ciertos grupos (sobre en la escena heavy) hablar de ciertos temas utilizando ritmos muy rápidos, mucho doble bombo o riffs muy agresivos. Canciones cuya música es sensacional, y su letra también, sin embargo al escucharlas juntas tienes la sensación de que no pertenecen al mismo mundo. Avalanch son unos genios en eso y Lucero una de sus obras maestras, pues letra y música se unen para transmitir una misma cosa.

Existe un videoclip de una revisión que hicieron de la canción en un disco recopilatorio llamado Las Ruinas Del Edén, pero me gusta más la versión original, y con esa, sin más dilación, me despido hasta la próxima.

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]]> http://www.cosasquecontar.com/2010/03/canciones-con-historia-viii-lucero/feed/ 1 http://www.cosasquecontar.com/2010/03/cortos-con-gancho-iv-signs/ http://www.cosasquecontar.com/2010/03/cortos-con-gancho-iv-signs/#comments Mon, 08 Mar 2010 01:38:32 +0000 Daniel Tejedo http://www.cosasquecontar.com/?p=2587 Aquí volvemos a la carga con la sección de cortos. Esta vez vamos con señales (nada que ver con Shyamalan). Si Validation os gustó, creo que éste seguirá los mismos derroteros. Un poco ñoño en conjunto, pero bonito y entrañable en su desarrollo. Otra de esas visiones capaz de levantarte el ánimo en tan sólo 9 minutos. Además, Kestie Morassi sale demencialmente guapa (lo cual siempre ayuda). En fin, sin más preambulos, que lo disfruteis.

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Dentro de apenas un mes editan el final de su trilogía. Tras un brillante Gaia 1, y un mediocrillo Gaia 2, espero este Gaia 3 con ganas. El single Que el Viento Sople a tu Favor, que ahora os presento, es el típico primer single de Mago. Pegadizo, fiestero, y de buen rollo. Según palabras de Txus (líder del grupo), Gaia 3 será, musicalmente, el punto de unión entre Gaia 1 y Gaia 2. Sin duda saben crear hype. La espera se hará larga…

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Tras el salto, dejo el título de todas las canciones del doble disco.

CD 1:

1. El Latido de Gaia (Intro)
2. Dies Irae
3. Für Immer
4. Vodka’n'Roll
5. El Príncipe de la Dulce Pena (Parte IV)
6. Mi Hogar Eres Tú
7. Fuerza y Honor: El Dorado (Instrumental)
8. El Violín del Diablo
9. Siempre (Adiós Dulcinea – Parte II)

CD 2:

1. Mis Demonios (Atrévete a Vivir)
2. Que el Viento Sople a tu Favor
3. Sueños Dormidos
4. Todavia Amanece Gratis
5. La Soga del Muerto (Ayahuasca)
6. La Ira de Gaia
7. Atlantia

Tracklist extraido de Wikipedia.

10. No More Heroes (Wii)

9. Diablo (PC)

8. El día del tentáculo (PC)

7. Half-life (PC)

6. Final Fantasy VIII (PlayStation)

5. Soul Calibur (Multi Plataforma, originario de PlayStation)

Quizás a algunos os parezca injusto que Soul Calibur se encuentre en una posición tan alta, sobre todo teniendo por encima a Final Fantasy y Half-life. Y la verdad, estoy de acuerdo con vosotros. La idea inicial para este 5º puesto era Tekken, pero me he enterado recientemente que la película ya está en curso, y que verá la luz pronto. Así que, ya que estamos fantaseando, fantaseemos con cosas que por ahora no están en camino.

Para mí Tekken es a todas luces el rey de los juegos de lucha, y Soul Calibur ocupa un más que digno segundo puesto. Y esto es así porque ambos comparten los mismos puntos fuertes. Como juegos, nos proponen un estilo de lucha alejado de las “magias” que recorren toda la pantalla, un combate cuerpo a cuerpo en que las combinaciones de botones solamente sirven para golpear de distintas maneras. Y además, todas ellas (o casi todas) se bloquean. Luego, más que en otros, lo que prima es la habilidad. Esto les ha generado fama, y la fama es un requisito para que la adaptación tenga éxito. Pero, más allá de su calidad como juego, Soul Calibur posee ciertas características (que también comparte con Tekken) que facilitarían una jugosa adaptación:

Multitud de personajes con un objetivo común. Algo que me encanta de Soul Calibur es como se van entrelazando las historias de los personajes. Personajes, a priori aislados todos ellos, pero que de un modo u otro acaban peleando para conseguir  (o destruir) la espada demoníaca Soul Edge, capaz de devorar almas y de transformarse para acoplarse a su dueño. Así pues tenemos a Siegfried, un noble caballero que acaba consumido por el poder de la espada, a Nightmare, la reencarnación humana de Soul Edge que peleará para protegerla, Sophitia, una madre que se verá obligada a proteger a Soul Edge para evitar que su hija muera, etcétera etcétera. Esto nos llevaría en el hipotético filme a no centrarnos en ningún personaje en concreto, sino a ir viendo poco a poco las historias de varios personajes que no se conocen, pero que al final se cruzan. Reconozcámoslo, ese tipo de cosas molan.

Diversidad de estilos, localizaciones y culturas. Como consecuencia de lo anterior, presenciaríamos un montón de escenarios de la índole más variopinta imaginable. Egipto, Grecia, Inglaterra… con personajes repartidos por casi todo el globo, no habría lugar del mundo que esta película no nos enseñara. Los paisajes majestuosos venden películas casi por sí solos, y si hacemos muchos y muy diferentes podríamos encontrarnos ante un gran espectáculo visual.

Tanto Tekken como Soul Calibur comparten estas ventajas, pero parece que al hacer la adaptación de Tekken no las tuvieron en cuenta:

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Como podeis ver, la película se centra en Jin Kazama, cuando en mi opinión lo ideal habría sido hablar de muchos más personajes sin tener por qué incluir un protagonista, o al menos a priori, ya que alguien tiene que ganar. Y, por lo que se ve en el trailer, no aprovechan la diversidad de escenarios que Tekken a priori ofrece, siendo el escenario principal el del torneo. Estos son, en mi opinión, graves errores, que una película como Soul Calibur podría subsanar.

Reparto: Como director, elegiría a James Cameron. Todo lo que toca se convierte en oro, y conociendo las maravillas visuales que suele llevar a cabo, no creo que fuera mala elección. Como actores, propondría, por ejemplo, a Wesley Snipes para Zasalamel o Scarlett Johansson para Sophitia, por decir algunos.

4. Castlevania (Multi Plataforma, originario de NES)

Otro peso pesado. Castlevania es uno de mis plataformas 2D favoritos. Comparte rasgos característicos con los también magníficos Metroid clásicos (una pena que Samus se haya quedado fuera). Un mapa inmenso que recorreremos en multitud de ocasiones con habilidades nuevas cada vez, que nos permitirán alcanzar diferentes lugares por cada visita. Un sinfín de habilidades, jefes finales totalmente apoteósicos y toques roleros hacen que algunos títulos de esta saga (especialmente los sorrow) sean imprescindibles.

Ya existe un proyecto para rodar una película de Castlevania, según me cuenta mi gran amiga IMDB. Se estrenaría en 2011 y estaría dirigida por James Wan, más conocido por ser la mente creadora de la enfermiza y traumitazante Saw. Al parecer, el terror será el elemento fundamental de la adaptación, decisión que considero errónea. Si bien me parecería correcto dar unos cuantos sustos (al estilo de la adaptación de Resident Evil), no pegan para nada atrocidades semejantes a las cometidas en Saw. Claro, que por compartir director esto no tiene por qué ser así. Aquí le dejo unos consejillos para llevar la adaptación por buen cauce .

Un drácula diferente. Todos conocemos la historia del drácula de Bram Stoker, asaltador de doncellas en las nocturnidades para alimentarse de sus yugulares. Sin embargo, el drácula de Castlevania poco tiene que ver con ese. Aquí, drácula es simple y llanamente la reencarnación del mal, que renace en su castillo cada x tiempo para destruir el mundo. Posee una rivalidad eterna con el clan Belmont, secuestrando en ocasiones a sus miembros femeninos para sacrificarlos y así ganar el poder suficiente. Todos sabemos que el personaje de Drácula llena cines por sí solo, y encontrarse con algo distinto de lo habitual podría gustar al espectador.

Multitud de historias y personajes. Castlevania es una saga con tantísimas entregas que posee un buen número de personajes. El guonista podría coger los que quiera del elenco para ofrecer una historia a su gusto, en lugar de casos (como el anterior FF VIII) en que el juego te lo da ya todo hecho. Aunque a lo largo de las sagas el personaje más importante parece Simon Belmont, nada impide al guionista coger un poco también de Order Of Ecclesia o de Aria of Sorrow para crear una historia única, totalmente nueva, pero basada indiscutiblemente en la saga. Se tendría pues libertad para crear, para inspirarse y no para copiar, para hacer algo novedoso. Todos sabemos que eso gusta.

Enemigos titánicos. Si hay algo que me gusta de los juegos de Castlevania, esos son los jefes finales. Gigantes, demoledores, y frustrantes a partes iguales, sin duda son la mejor parte del juego. Algunos como la muerte, el genial Blackmore, o el que tanto sudor hizo que derramara mi frente en su día, el gigante Adramelech. Esos son solo algunos ejemplos, prácticamente cualquier jefazo tiene su cosa que hace que no se te olvide, todos son muy difíciles, y todos conllevarían un despligue visual que dejaría muda hasta a la vecina más cotilla. Imaginar a Blackmore en pantalla ya casi vale la adaptación.

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Poco inconveniente le veo a la adaptación tal y como la planteo. Esperemos que Mr. Wan no convierta a Castlevania en un Saw con vampiros.

Reparto. Como director ideal, me voy a quedar con Guillermo del Toro. Las adaptaciones de Hellboy me parecen bastante buenas, acercadas a lo que propongo. En cuanto a los actores, diré a James Marsden como Simon Belmont y a Hugo Weaving como Dracula, pero por decir algo, habría que ver como estaría enfocado el guión para escoger a los representantes ideales.

3. God of War (PlayStation 2)

Creo que podemos afirmar sin temor a equivocarnos que estamos tratando con la gran revelación de la historia reciente de los videojuegos. Llegado en la pasada generación, Kratos consiguió encandilar a millones de jugadores en todo el mundo. ¿Los motivos?. Pues los mismos que harían de este juego una adaptación exquisita:

Mitología. Éste es un tema que vende películas por sí solo. A prácticamente todo el mundo le llama la atención la mitología, sus historias épicas, románticas y muy humanas (pese a no estar protaginadas por humanos en muchas ocasiones). Todo lo que huela aunque sea un poquito a la Grecia antigua es una apuesta segura. Pero God of War lo lleva un poquito más allá, creando una visión de las leyendas mitológicas muy particular. Con bestias absolutamente desfiguradas e historias ligeramente alteradas para que todo tome un giro más bestia de lo habitual. Véase como ejemplo a Clotho, una gorgona obesa y horrenda, la más joven de las hermanas del destino (esas que cortan los hilos de la vida de los mortales), sorprendente y asquerosa a partes iguales:

Pero no son solamente las criaturas, los paisajes mitológicos en los que tiene lugar la historia también son magistrales. Llevado al cine, sería todo un despliegue de fotografía, una maravilla para los ojos que, bien llevada, podría resultar histórica. Imaginaos la parte en que se escala el Titán para acceder al templo de Pandora, por poner un ejemplo.

Brutal. Sangre y vísceras a raudales. Muertes de una violencia desmesurada y criaturadas gigantes empaladas. Todas estas cosas son una de las claves del éxito de la saga. También es de todos conocido que las cosas sangrientas y brutales a veces llenan salas por sí solas (muchas pelis de “terror” no necesitan nada más). Así pues, si a todas estas cosas, le añadimos el factor mitológico antes mencionado, no sería muy difícil captar la atención del público.

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Momentazos absolutamente épicos. Y es que hay partes del juego que podrían pegarse casi tal cual en la gran pantalla. Hablo de la pelea contra la estatua gigante, de aquella pelea a contraluz en 2D contra un soldado, la escalada del Titán antes mencionada… Algo que suelen aportar los videojuegos a las adaptaciones es la posibilidad del copy/paste de escenas. En este caso, contamos con muuuchas.

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El único posible inconveniente que le veo a la adaptación es la cercanía con la genial 300, ya que Kratos y Leónidas son igual de brutos, incluso parecidos, y aunque uno vaya solo y el otro vaya con 299 más, las comparaciones serían inevitables. Aunque teniendo en cuenta que a día de hoy no hay ningún proyecto de película, eso no debería echar para atrás a ningún productor (entre que se escribe, se graba, blablabla, pasarían años).

Reparto. Como director, voy a elegir a Peter Jackson. Genio de las adaptaciones, sabe llevar en un filme todo tipo de situaciones, así que creo que se desenvolvería genial con esta adaptación. El actor no es fácil de escoger, necesitamos a alguien muy musculoso y que tenga buenas dotes de interpretación. ¿He oído Gerard Butler?. Yo no lo he dicho…

2. Metal Gear Solid (PlayStation)

Bienvenidos, damas y caballeros, al mayor acercamiento que han tenido jamás cine y videojuegos (ni Heavy Rain ni leches). Estamos ante una serie de obras en las que el contenido visual es aproximadamente 3 ó 4 veces más largo que el contenido jugable. Estamos ante una de las historias más geniales y asombrosas jamás contadas en un videojuego, sino la mejor. La obra de Hideo Kojima es sin duda uno de los estandartes de los videojuegos, y el principal de Sony. Acción, comicidad, terrorismo y movidas muuuy extrañas se darían cita en esta adaptación.

He de decir que ya existe una película de Metal Gear, hecha por fans. Se llama Philantropy. No la he visto, la verdad, pero os dejo el link por si os interesa. Según he leído por ahí no está del todo mal. También existe, al parecer, un proyecto muuuy lejano de película “seria”, según me comenta IMDB, con Kurt Wimmer como director (Ultravioleta). A ver si es cierto y nos dan esa alegría.

Alguna de mis otras elecciones ha podido ser polémica, pero creo que en esta todo la comunidad videojueguil estará de acuerdo. Esta adaptación molaría vilmente, entre otros, por estos motivos:

Aclarar ideas. La historia, como ya he dicho antes, es genial. Recién terminado el Metal Gear 4, no tengo más que alabanzas para Kojima. Pero, reconozcámoslo, es un poco abrumadora. Bastante abrumadora, de hecho. En muchos momentos del juego uno se pierde, no sabe de qué hablan los personajes o no recuerda que cierta cosa comentada hubiera ocurrido antes. De hecho, el propia Kojima en una entrevista admitió que él mismo se hacía un lío con la trama de Metal Gear. De la mano de un buen guionista, la adaptación no sólo contaría la historia a quienes anteriormente no la conocieran, seguro los fans de la saga también descubriríamos algún detalle que se nos hubiera pasado por alta. Ni qué decir tiene que esperaría que el guión fuera bastante fiel, ya que lo importante del juego es eso, el guión.

Hideo Kojima

Acción trepidante. Cada una de las ediciones del juego cuenta con un par de escenas para quitar el hipo. Pura adrenalina en escenas que a muchos se nos han quedado grabadas en la memoria. La batalla contra el helicóptero con el Stinger del 1, la lucha contra 25 metal gears del 2, The End y su francotirador en el 3, o la pelea entre dos metal gears del 4. Todos estos momentos y muchos más caracterizan la saga.

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Personajes para el recuerdo. Todos esos momentazos mencionados anteriormente suelen estar protagonizados por personajes memorables. Ya no solo los protagonistas como Snake o Liquid, cada uno de los secundarios poseen su propia historia, triste en algunos casos o divertida en otros, pero siempre entretenida. Recuerdo personalmente a Sniper Wolf, cuya historia que al final no tenía que ver nada con la trama te acababa enganchando. Otacon, ese friki del anime, Ocelot, The Boss, Vamp y casi cualquiera que no sea Raiden seguro que mola. Grandes historias en personajes pequeños para llenar la pantalla de grandes tramas.

Reparto. Como director casi pondría al propio Kojima, esta historia en una mente distinta probablemente sería un fiasco. Pero bueno, siguiendo con la estructura, voy a coger a los hermanos Wachowsky, ya que me gustó su manera de encauzar historias raras como V de Vendetta. Como Snake, Hugh Jackman me resulta idóneo, al igual que Drew Barrimore para Meryl. Josh Holloway sería un Raiden.

1. The Legend Of Zelda (Nintendo)

Llegamos, por fin, al final de nuestro top, con una elección supongo prevista por todos. Las aventuras de nuestro amigo Link son todo un referente en la historia de los videojuegos. Mazmorras laberínticas, jefes finales apoteósicos, ítems variopintos y muchos puzzles son los ingredientes que la mayoría de juegos de esta saga nos ofrecen. Además, el que para casi todos es el mejor videojuego de la historia (según la encuesta de IGN ese fue el vencedor), Ocarina of Time, está contenido en la saga. Casi no hace falta dar motivos para creer en una adaptación de Zelda, lo raro es que no a nadie se la haya ocurrido ya. Por favor, guionistas de Hollywood, poneos con ello. Mirad cuantas cosas buenas tiene:

La adaptación que todos los gamers deseamos ver. Y esto no es algo que yo diga por decir. Siendo como digo el mejor videojuego de la historia, esto ya debería dar una pista de lo mucho que todos estamos deseando ver esto. De hecho, hace unos años a los tíos de IGN se les ocurrió grabar un trailer falso de la película, gastándose cierta pasta para que pareciera un poco realista, y así gastar una broma a sus lectores en el April’s Fools Day. Aún hoy la gente se sigue ilusionando cuando se encuentra este trailer en youtube por casualidad.

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También existió hace unos meses una película de Zelda rodada por fans. Os pondría la url encantado, pues se veía online y gratis, pero los jefazos de Nintendo decidieron que tal película podría dañar la buena imagen de la saga (como si no la estuvieran dañando ellos con juegos como Spirit Tracks). Yo tuve la suerte de verla durante el poco tiempo (un par de semanas quizás) que estuvo colgada, y hay que decir que los chavales pusieron mucho empeño en ello. En fin, está claro que todo el mundo se volcaría con el film.

Guión libre. Partiendo de la hipótesis que se adaptaría Ocarine of Time, es evidente que en el guión habría muchas cosas que cambiar. Para empezar, habría que darle alguna frase a Link xD. Y eliminar todos esos momentos de soledad, no digo que Link recorriera las mazmorras acompañado (aunque sería una opción), pero sí que pondría un montón de diálogos con su hada. Vamos, que hay mucho donde tocar, y casi es difícil hacerlo mal. Eso debería ser un punto a favor para los guionistas.

Viajes en el tiempo. Suponiendo Ocarina of Time, contaríamos con los viajes en el tiempo. Es algo que ya de por sí mola, pero que los haga un joven que vive en una época similar a la medieval pues mola más. Y que los haga tocando un instrumento musical pues más aún. Además, todas las cosas que los viajes en el tiempo conllevan, como paradojas, personajes que se encuentran, y demás, podrían introducirse y alterarse en el guión.

Criaturas asombrosas. Sin duda uno de sus puntos fuertes. Los Goron y los Zora en pantalla tienen que ser bestiales. Sobre todo los segundos, criaturas por las que siempre he sentido un cierto cariño. Estilizadas y acuáticas, con grandes costumbres y final trágico por congelación. Y ya no solo las civilizaciones, también se verían grandes combates de Link contra diversos monstruos gigantes. Particularmente me encantan las peleas contra Volvagia y el fantasma de Ganon (y el propio Ganondorf, claro). Todo eso en la gran pantalla molaría tanto que sería malo para la salud.

Insisto, no se me ocurre el motivo por el cual no se ha emprendido esta adaptación ya. Creo que sus beneficios económicos estarían fuera de toda duda. Desde aquí mando un mensaje a Hollywood para que haga felices a millones de personas en todo el mundo.

Reparto. Como director me quedo con Steven Spielberg. Se cuentan por decenas sus superproducciones magistrales, y esta tendría que ser de proporciones épicas. Yo confío en él. Como Link, me voy a quedar con Logan Lerman, el niño de Percy Jackson. Sólo hay que teñirlo de rubio para imaginarse en él a un buen Link. Como Zelda, me voy a quedar con Emilie de Ravin. La Claire de Lost me parece una gran Zelda, con esos ojos preciosos y esos rasgos élficos.

Y en fin, esto ha sido todo. Espero que os haya gustado, y que se me perdone por no incluir Mass Effect, Metroid, ICO, Fallout… Pero es que solamente entraban 10. Hasta la próxima.

El caso es que, debido a esto, y por poner un ejemplo extremo, no es muy habitual que un manga como, digamos, “Dragon Ball”, comparta espacio con un “Sailor Moon”, o que las chicas ligeras de ropa de U-Jin aparezcan en revistas con historias de romances para mujeres adultas.

Pero, de vez en cuando, aparecen algunos manga que rompen esas barreras, aunque sea de una forma sutil, sin hacer ruido. Este es el caso de “Touch”, de Mitsuru Adachi, quizás más conocida por el público español como “Bateadores”.

La historia ya es bastante conocida. Los hermanos Kazuya y Tatsuya Uesugi son gemelos y prácticamente idénticos en apariencia. Tanto, que parece que la única persona capaz de diferenciarlos con relativa facilidad es su amiga de infancia, Minami Asakura. Kazuya es aplicado en sus estudios y un as precoz del béisbol, esforzándose por mejorar día a día, y ganándose la admiración de sus amigos, de las chicas del instituto, que se mueren por sus huesos, y de los propios padres de los chicos, que sueñan abiertamente con una futura boda entre Kazuya y Minami. Por su parte, Tatsuya parece conformarse con ser un simple segundón. No aparenta sentirse demasiado preocupado por vivir bajo la sombra de su brillante hermano, aunque no tiene reparos en hacerse pasar por él para ligar.

La historia comienza cuando llegan a esa edad, la adolescencia, en la que ambos hermanos se dan cuenta de que Minami, ¡oh, sorpresa!, es una chica. Al principio del manga, pues, la cuestión es saber cómo se desarrollará este incipiente triángulo amoroso…

Así contado no parece que “Touch” tenga nada especial, pero hay que leerlo para darse cuenta de que lo que importa, a veces, no es la historia en sí, sino la forma de contarla. Adachi escribe y dibuja un manga para chicos, con su trama deportiva de telón de fondo y sus alusiones al esfuerzo y al compañerismo, pero lo que realmente le importa es narrar la vida cotidiana de unos jóvenes en la transición de la infancia sin preocupaciones a la edad adulta, y para hacerlo no duda en explayarse.

El ritmo de lectura de “Touch” es lento y pausado, el adecuado para una historia costumbrista que parece beber del mismísimo Ozu. Obviamente se trata de una apreciación personal. Resulta evidente que el manga de Adachi no es tan “adulto” como las mejores películas del maestro japonés, pero sí podemos considerarlo como extremadamente maduro, sobre todo si lo comparamos con otros títulos similares.

Tomemos un manga más o menos contemporáneo, como “Kimagure Orange Road” (también conocido por su versión anime, “Johnny y sus amigos”). Su tremendamente interesante premisa daba lugar a una historia romántica para adolescentes, sencilla y bien llevada, pero nada del otro mundo. O fijémonos en ese clásico moderno que es “Video Girl Ai”, que palidece al lado de “Touch” en cuanto a la madurez de su estilo, de su forma de narrar, porque, al fin y al cabo, el manga de Katsura es una obra para adolescentes, igual que “Kimagure”. Adolescentes sensibles y con inquietudes, pero adolescentes al fin y al cabo.

“Touch” se puede leer a cualquier edad con la misma capacidad de asombro. No se trata de un Osamu Tezuka, claro, pero demuestra que se puede escribir y dibujar manga maduro para jóvenes (o manga juvenil para adultos, ya puestos). Como buen ejercicio de costumbrismo, tenemos las dosis adecuadas de humor (la mayoría), drama (que también hay) y tragedia (la escena de… oh, bueno, esto es spoiler, pero los que hayáis visto la serie o leído el manga sabéis de qué hablo… está hecha con una maestría sin igual, y es sencillamente emocionante, de lo mejor que he podido leer en el manga, tanto juvenil como adulto). En resumen, un clásico a redescubrir.

“Touch” se publicó de 1981 a 1986 en la revista Shonen Sunday de la editorial Shogakukan. El manga, como la mayoría de la obra de Adachi, fue un gran éxito. La versión animada, que es como llegamos a conocer esta serie en España, se emitió de 1985 a 1987, para un total de 101 episodios, y fue considerada en 2005, mediante votación popular de los japoneses, una de las diez mejores series animadas de todos los tiempos.

Aunque no hay muchos detalles al respecto, todo apunta a que se trata de un nuevo sistema hardware que traería consigo una nueva tecnología que le daría a los proveedores capacidad suficiente para ofrecer velocidades muchísimo más altas que las actuales. Estos rumores vienen fundamentados por las últimas exigencias realizadas por la FCC de Estados Unidos (Comisión Federal de Comunicaciones) que asegura que la velocidad mínima para este país debe ser de 100 Mbps para esta década.

Lástima que estos datos hablen de Estados Unidos y en España sigamos estancados en los 20 Mbps ficticios de algunas compañías.

Vía: FayerWayer

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]]> http://www.cosasquecontar.com/2010/02/rolltop-alucinante-diseno-conceptual-de-portatil/feed/ 1 http://www.cosasquecontar.com/2010/02/nuevo-lavado-de-cara-para-tuenti/ http://www.cosasquecontar.com/2010/02/nuevo-lavado-de-cara-para-tuenti/#comments Thu, 25 Feb 2010 12:05:26 +0000 Roberto Amor http://www.cosasquecontar.com/?p=2551 Hace apenas unos minutos, Tuenti se ha hecho un nuevo lavado de cara. A las novedades en el aspecto se puede deestacar la incrustación de una estética de pestañas entre el bloque izquierdo y el bloque central, así como una retocada barra superior y un nuevo botón para subir fotos. Ha desaparecido la barra grisácea que estaba debajo de la superior principal y el cambio de estado se deja exclusivamente para la página de Inicio y Perfil. Además, ahora apenas se distingue entre el tablón de comentarios y el ‘Espacio Personal’ donde publicábamos en forma de mini-blog.

Destaca una nueva característica: ver los contactos que están conectados directamente desde tu lista de amigos sin tener que buscarlos en la lista del chat.

Tuenti se ha debido mover motivado por el reciente cambio de interfaz de Facebook, cosa que se viene repitiendo en más de una ocasión, acercando la española a la americana con cada cambio.

Mozart ya era un virtuoso del piano y el violín a los seis años. Prokofiev componía ópera con nueve. Vangelis componía suites con cuatro años y Booker T. con diez ya tocaba eficientemente el piano, el órgano, el oboe, el saxofón y el trombón. Más o menos como Stevie Wonder, que ciego de nacimiento, con apenas ocho años ya tocaba el piano, la armónica, la batería y el bajo.

Todos ellos son conocidos mundialmente a día de hoy, pero uno se hace la pregunta de si hay realmente niños prodigio en este globalizado mundo. Y al igual que las meigas, haberlos haylos.

¡Se encuentran después del salto!

Emily Bear tiene a día de hoy nueve años. Con tan sólo uno, ya cantaba nanas con una entonación perfecta, y un año más tarde su abuela descubrió el talento que tenía delante de un piano. Con tres años ya empezó a componer su propia música (atesora ya 120 piezas). La denominan como la nueva Mozart, y es que con seis años ya tocó su primer concierto completo (de Mozart, para más inri) y tuvo además el honor de tocar en la Casa Blanca.

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Igor Falecki cumplió ocho años el pasado día 8 de febrero. Nació en Polonia y su hermana mayor estudia violín. De acuerdo, quizás tenga algo que ver que su madre sea cantante y su padre bajista, pero con tan sólo tres años Igor ya tocaba la batería de manera asombrosa. En 2008 ya daba conciertos (uno de ellos en la Expo de Zaragoza) y sus contratos con Sabian, Mapex y Roland le auguran un futuro prometedor.

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Quinn Sullivan por su parte, tiene diez años a día de hoy, y ya con tres tocaba la guitarra eléctrica. No mucho tiempo después compuso su primera canción, “Sing, Dance, Clap Your Hands”. En 2007 y con seis años, adquirió cierta notoriedad cuando fue invitado a tocar en un concierto del famoso guitarrista de blues Buddy Guy. Pocos meses después se codearía en el escenario con el mismísimo B.B. King. No resulta extraño entonces que con nueve primaveras ya actuara en el Beacon Theatre.

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Hay, por supuesto, muchos más. Pero estos son los que más me han sorprendido en los últimos tiempos. Y es que viendo a niños así, cualquiera se pone a mancillar el buen nombre de la Música cogiendo una guitarra o un piano.

Lo dejaremos estar.

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Entre mi compañero Daniel Tejedo y yo, hemos creado un pequeño curso de más o menos hora y media, en el que enseñamos los aspectos más básicos y a la vez más importantes del diseño y la programación en flash. Se trata de un trabajo que hemos desarrollado para la Universidad de Cantabria y que os mostramos aquí su introducción y planteamiento de contenidos. El curso lo hemos estructurado en tres secciones. Por un lado, los aspectos más destacados del diseño, después una introducción a la animación en la que se tratan aspectos importantes como las interpolaciones y se explican los conceptos de fotograma, fotograma clave, símbolo o línea de tiempo; y un último apartado donde introducimos el lenguaje ActionScript.

El resto del curso, si os interesa, os lo dejo en descarga directa en los dos siguientes enlaces:

• Megaupload: http://www.megaupload.com/?d=CCXKQR15
• Server CosasQueContar: descarga aquí

Hoy echando un ojo a las novedades de Vidaextra me he encontrado con este genial juego en flash. Se trata, simple y llanamente de pulsar un botón para cambiar la gravedad en el momento adecuado, aunque decirlo y hacerlo son cosas muy diferentes. Cuidado, que es muy adictivo:

G-Switch

La gente está esperando ansiosa e impaciente el estreno de la “Alicia” de Tim Burton. Se palpa en el aire cierta sensación de que, por fin, Burton conseguirá maravillarnos como lo hizo en sus primeros tiempos con “Eduardo Manostijeras” o “Ed Wood”, o de que, al menos, no nos hará decir “bah, más de lo mismo”, como ha sucedido varias veces a lo largo de su carrera. Aunque, bien pensado, esa sensación de “sí, esta vez Tim volverá a demostrar de lo que es capaz y callará a los escépticos” se ha producido demasiadas veces…

Pero, volviendo al tema que nos ocupa, ¿sabemos qué nos espera después? La respuesta es, si no se tuercen las cosas, “Dark Shadows”.

¿Qué es “Dark Shadows”? Un serial televisivo americano sesentero del que Burton planea empezar a rodar su versión cinematográfica hacia finales de este 2010.

Sí, habéis leído bien. El siguiente proyecto de Tim Burton es adaptar un culebrón viejuno. Pero no penséis mal, ya que “Dark Shadows” no es un culebrón cualquiera.

“Dark Shadows” se emitió por la ABC desde junio de 1966 hasta abril de 1971, para un total de 1.225 episodios. Al principio la serie tenía más elementos de misterio e intriga que otra cosa, y no parecía que fuera a cambiar el panorama televisivo de la época. Todo cambió, sin embargo, cuando los guionistas empezaron a meter cosas más relacionadas con el género de terror, como pueden ser los vampiros, los fantasmas, los hombres lobo…

A partir de ahí “Dark Shadows” pasó a convertirse en un pequeño mito de la ficción televisiva americana. Los guionistas mezclaban tramas y géneros, la intriga y el misterio de los primeros capítulos se compaginaba con tramas amorosas y criaturas sacadas directamente, sin ningún tipo de rubor, de los cuentos y novelas de terror que los guionistas debían tener en sus mesitas de noche.

Y no sólo eso, sino que, pensando que con todo eso no era suficiente, decidieron incluir viajes en el tiempo y tramas en universos paralelos.

Otra característica de la serie era que todos sus personajes eran interpretados por un (relativamente) pequeño elenco de actores. Así era posible que un personaje estuviera interpretado por más de un actor, o que un actor interpretase a más de un personaje. Entre ellos podemos destacar a tres, que serán los más reconocibles por el público español. Como Joan Bennett, famosa por su papel de Amy en la “Mujercitas” de Cukor o como la mujer de Spencer Tracy en “El padre de la novia”, además de sus papeles de mujer fatal en películas de Fritz Lang. También teníamos a David Selby, el futuro Richard Channing de “Falcon Crest”, y a Kate Jackson, futura Angel de Charlie.

Como ya hemos comentado, “Dark Shadows” fue todo un éxito, al menos durante buena parte de los cinco años que duró en antena. El hecho de ser un culebrón diario, con todas las desventajas que eso supone, tanto desde un punto de vista técnico como interpretativo, no suponía un problema para los millones de espectadores (la mayoría de ellos jóvenes y adolescentes) que seguían la serie todas las tardes.

Así, podemos concluir que “Dark Shadows” supuso una revolución en las series de ficción americanas, pues abrió un camino que multitud de series posteriores recorrieron. El éxito de “Twin Peaks”, “Expediente X”, “Buffy Cazavampiros” o “Sobrenatural” no se entiende sin “Dark Shadows”.

La nostalgia es un sentimiento contradictorio. Podemos estar lejos de casa y echar de menos las lentejas que hace nuestra madre y aun así tener la esperanza de volver a comerlas en poco tiempo. Podemos echar de menos a una amiga que se fue a vivir a otro país y tener la esperanza de volver a verla algún día. E incluso podemos echar de menos los tiempos en los que jugábamos a la peonza en la calle con nuestros amigos (lo siento chicos, soy de los 80, aún no quedábamos para jugar al fifa por internet por aquel entonces) y tener la esperanza de volver a hacerlo ahora que las peonzas están de moda de nuevo.

Nostalgia por personas o situaciones pasadas que en primera instancia no son malas. Vamos, en principio nuestra madre no envenenaba nuestras queridas lentejas, nuestra amiga no era una asesina en serie, y las peonzas a las que jugábamos de pequeño no eran pequeñas minas antipersona con las que poder vengarnos de nuestras derrotas en el patio del colegio.

Es nostalgia buena.

Luego está la nostalgia mala. La nostalgia de momentos en los que mucha gente lo pasó mal; momentos vergonzosos de la historia de un país; momentos que cualquier persona con cerebro rogaría que no volvieran a repetirse.

En Ciudad Real hay un pequeño templo a este tipo de nostalgia. A mucha gente le parece su segundo hogar mientras que por otro lado, a unos da risa y a otros pena.

Se llama Casa Pepe y no deja a nadie indiferente.

Estamos en el año 2010 después de Jesucristo. Toda la península está ocupada por los demócratas. ¿Toda? !No! Un pequeño bar-restaurante regentado por irreductibles fascistas resiste todavía y siempre al invasor.

Que Spain is Different sea algo más que un slogan debería ser un rasgo de cierto honor al mismo tiempo que una señal de aviso. Y es que algo no se ha hecho bien en este país cuando existe una fundación con el nombre de un dictador que doblegó durante décadas a una nación entera. ¿Alguien con dos dedos de frente imagina una Fundación Adolf Hitler en Alemania? Ya. Yo tampoco.

Así pues, tenemos en Despeñaperros un pequeño lugar, mitad santuario, mitad restaurante.

En él se congregan cada día personas de todo tipo. Abueletes ávidos de tiempos pasados; treintañeros repeinados con gomina; curiosos que van a ver si todo aquello que les han contado es real; y turistas que saben bien que el lugar ha pasado a ser una atracción turística más.

Juan Navarro Muñoz, el dueño de este despropósito, lo sabe. “Soy franquista desde que me acuerdo, desde niño”, dice. Así que, como hostelero, un día se le ocurrió mezclar obligación con pasión y parió a su querido restaurante. Dentro, las cortezas de cerdo no son lo único que huele a rancio.

Las paredes sirven de sostén de decenas de fotos del Generalísimo (¡ar!, todos en pie, con el brazo en alto, puño cerrado y dedo corazón arriba como brillante colofón), del malogrado Primo de Rivera, de la bandera anticonstitucional con pollo, y demás interesantes a la par que insultantes documentos. El techo no se queda atrás. Decenas de cornamentas de ciervo adornan el lugar.

El amigo Juan no es tonto y tiene también una tienda de la nostalgia. La cara de nuestro añorado dictador y la bandera con el aguilucho adornan desde platos y botellas de vino hasta latas de aceite y servilletas con las que poder sonarnos los mocos o limpiarnos el culo. Todo está pensado al milímetro.

El establecimiento es, sin duda, una oda al buen hacer. Si algún día (espero) lo clausuran cual Herriko Taberna, será adquirido por un amante del arte para re-inaugurarlo como excelsa galería kitsch. O para quemarlo hasta los cimientos y convertirlo en una propia y mordaz obra de arte. Una de dos.

Por desgracia, este museo de los horrores sigue abierto, y así seguirá durante mucho más tiempo. Y es que por mucho odio que el señor Navarro Muñoz le tenga a la democracia, debería darle las gracias por poder ganarse la vida manteniendo viva la llama e ilusión del vómito nacional.

Porque, hamijos, Spain is Different.

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Quizás os acordéis de esa primera (o segunda, según se mire) hornada de títulos manga que llegaron a España gracias a Planeta. Eran otros tiempos y, en vez de importar directamente de Japón, lo que nos ofrecían eran copias casi exactas de las ediciones que Viz Communications tenía publicadas desde hacía tiempo en Estados Unidos. Ahora el consumidor habitual se ha acostumbrado a comprar manga bien publicado, en tomos, con su orden de lectura japonés, con excelentes traducciones del original, bien maquetado. Eso, hace más de quince años, era una utopía.

Tras el boom inicial de Akira y aprovechando el éxito de Dragon Ball, los de Planeta explotaron ese filón a conciencia. Empezaron hacia finales del 92 con series como “El puño de la estrella del norte” o “Xenon”. A partir de ahí, vinieron los tres o cuatro años que supusieron la “normalización” de la lectura de manga en nuestro país. Gracias a Planeta primero y Norma Comics después, el manga se estableció en España de forma estable y definitiva.

Algunos títulos llegaron a ser éxitos de cierto calado, otros se quedaron en la memoria colectiva del amante del manga, y, obviamente, hubo una gran cantidad de morralla que nos tragábamos felices y contentos…

Pero también hubo mangas de excelente calidad que no gozaron del favor del público y cayeron en el olvido. Uno de ellos fue “Horobi”.

“Horobi” era obra, tanto argumental como gráficamente, de Yoshihisa Tagami, autor de la interesante “Grey” (uno de los primeros mangas publicados por Planeta). En “Grey” demostraba ser un autor diferente al resto, con cierta calidad para armonizar la historia que pretendía contar con su grafismo tan característico.

Pero si “Grey” era la promesa, “Horobi” suponía la realidad. Bajo mi punto de vista fue uno de los manga mejor narrados desde un punto de vista gráfico de todos los que se publicaron en España en esos años. Cierto, la historia era, como mucho interesante, pero el estilo gráfico de Tagami hacía que un servidor siguiera con enorme interés la serie.

“Horobi”, a grandes rasgos, contaba la historia de Zen Amako y Shuichi Aiga, amigos y compañeros de trabajo que se ven envueltos en una trama que engloba sectas enfrentadas, hombres y mujeres con poderes paranormales, mitología japonesa, sueños extraños, monstruos horribles, muertes inexplicables…

Normalmente la gente suele asociar “Horobi” al género de terror, y un vistazo al párrafo anterior debería confirmar esa categorización. Pero “Horobi” es algo más que eso. O quizás algo distinto. Porque básicamente “Horobi” es más thriller que otra cosa. Salpicado con muchas dosis de terror, sí. Y no el típico terror que solemos asociar con el cine y el cómic japonés. “Horobi” es quizás uno de los cómics más sutilmente lovecraftianos de los que he leído.

Y es que, aunque nunca se mencionen entidades como Cthulhu o Yog-Sothoth, se nota un esfuerzo por parte de Tagami para narrar una historia centrada en la mitología japonesa con un toque lovecraftiano que impregna cada una de sus páginas.

Desgraciadamente sólo pudimos disfrutar de ocho números de “Horobi” en nuestro país (el equivalente a un par de tomos de la edición japonesa, que consta de un total de cinco), dejándonos con un amargo sabor de boca. Al menos fue bonito mientras duró.

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Esta pregunta es la que han respondido estos artistas suecos consiguiendo que los viajeros del metro cambien las escaleras mecánicas por las de toda la vida. ¿Cómo? Viendo el vídeo lo descubrirás. Solo hace falta un poco de imaginación y dar a la gente una motivación distinta a la de no hacer ejercicio.

El 31 de octubre de 1992, a las 9 de la noche, los ingleses tuvieron la oportunidad de asistir, en la BBC1, a uno de los momentos más impactantes de la historia reciente de la televisión. Se estrenaba “Ghostwatch”, un programa que pretendía investigar en directo el supuesto poltergeist de una casa en los suburbios de Londres.

Mientras en plató desfilaban invitados y se recibían llamadas acerca del tema, una reportera del canal intentaba ahondar en el misterio de la casa, donde según sus habitantes y sus vecinos habitaba un fantasma, llamado Pipes por su costumbre de golpear las tuberías de la vivienda.

A medida que el programa avanzaba el espectador iba descubriendo más cosas acerca del tal Pipes, como que era el espíritu de un perturbado llamado Raymond Tunstall que, a su vez, creía haber sido poseído por el espíritu de una tal Madre Seddons, una asesina de niños del siglo XIX. Y eso sólo era la punta del iceberg, pues faltaba lo peor.

¿Y qué era lo peor? Darse cuenta, cuando el programa estaba en lo más interesante, que la cosa iba en serio. Se recibían llamadas de espectadores que aseguraban haber visto a Pipes en sus televisores, el equipo desplazado a la casa (que contaba con lo mejor de lo mejor en las supuestas técnicas de detección de fantasmas y fenómenos extraños) percibía un aumento notable de la actividad paranormal, en plató crecía la sensación de que todo se les iba de las manos…

Y llegó el temido final. Los fenómenos extraños parecen imparables y cada vez más peligrosos. Uno de los expertos invitados en plató comentó que Pipes estaba canalizando la energía de los millones de espectadores siguiendo en directo el programa para aumentar su temible poder. Las peores predicciones se hicieron ciertas cuando el espíritu es liberado, matando a la reportera, Sarah Greene, invadiendo los estudios de la BBC y, finalmente, poseyendo al presentador, Michael Parkinson.

No creo que haga falta que os tranquilice. Obviamente, nada era real.

“Ghostwatch” era, en realidad, un programa de ficción grabado desde hacía meses. Su creador, Stephen Volk, ideó una miniserie en la que un investigador de lo paranormal y un reportero investigaban una casa supuestamente encantada. En cada episodio se iban descubriendo más detalles hasta que, en el episodio final, rodado como una especie de falso “show en directo”, todo se iba al garete de mala manera.

Al final, dada la imposibilidad de rodar la miniserie tal como estaba previsto, Volk decidió rodar un único episodio como si fuera el último, tal como lo hemos descrito.

Los mandamases de la BBC no las tenían todas consigo y, temiendo la reacción del público, estuvieron a punto de no retransmitir el programa. Al final accedieron, y “Ghostwatch” se estrenó con efectos devastadores…

No importó que el programa estuviera precedido de la carátula de “Screen One” (destinada a programas de ficción como telefilmes), ni el “Written by…” que indicaba bien a las claras que se trataba de una ficción. Las quejas no tardaron en llegar.

Tanto espectadores como prensa escrita se lanzaron al cuello de la BBC por permitir la retransmisión de “Ghostwatch”. Aparentemente, muchos creyeron que la cosa iba en serio, incluso después del abrupto final, cuando la BBC siguió su rutina de transmisiones como siempre tras la supuesta posesión de Michael Parkinson por parte de Pipes. Por su parte, la prensa criticaba la dureza y realismo de algunas escenas. Incluso se llegó a dar un caso de suicidio provocado, en teoría, por el show.

La BBC tomó cartas en el asunto y prohibió la redifusión de “Ghostwatch” durante los siguientes diez años. A día de hoy, habiéndose cumplido de largo esos diez años, “Ghostwatch” sigue sin redifusión “oficial” en la televisión británica, a pesar de contar ya con una edición en DVD.

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Tras el salto os dejo todos los galardones.

Mejor película: La Celda 211

Mejor director: Daniel Monzón (La celda 211)

Mejor director novel: Mar Coll (Tres días con la familia)

Mejor actriz: Lola Dueñas (Yo, también)

Mejor actor: Luis Tósar (La Celda 211)

Mejor actriz de reparto: Marta Eture (La Celda 211)

Mejor actor de reparto: Raul Arévalo (Gordos)

Goya honorífico: Antonio Mercero

Mejor actriz revelación: Soledad Villamil (El secreto de sus ojos)

Mejor actor revelación: Alberto Ammann (La Celda 211)

Mejor guión original: Agora

Mejor guión adaptado: La celda 211

Mejor película extranjera de habla hispana: El secreto de sus ojos

Mejor película europea: Slumdog Millionaire

Mejor película de animación: Planet 51

Mejor banda sonora original: Los abrazos rotos

Mejor canción original: Yo también

Mejor fotografía: Agora

Mejor montaje: La celda 211

Mejor dirección artística: Agora (Guy Hendrix)

Mejor dirección de producción: Agora (Jose Luis Escolar)

Mejor vestuario: Agora

Mejor maquillaje y peluquería: Agora

Mejor sonido: La Celda 211

Mejores efectos especiales: Agora

Mejor película documental: Garbo, el espía

Mejor corto de ficción: Dime que yo

Mejor corto de animación: La Dama y la Muerte

Mejor corto documental: Flores de Ruanda